Il de-romantico

I migliori film del 2011

2012-02-05T10:38:00.000-08:00

Duncan Jones - dopo lo straordinario esordio con "Moon" - rinnova quella tensione ed utilizza la fantascienza come espediente per indagare le dinamiche più oscure ed intime dell’animo umano, e con il suo ausilio elabora una grammatica introspettiva che scandaglia la psiche e concentra l’attenzione sul tema portante dell’identità. Bowie junior è abile a fondere le istanze della fantascienza classica con i blockbuster moderni, senza pagare dazio all’intrattenimento con la sofisticatezza del proprio sguardo, sviluppato con uno stile concreto ed impeccabile.

Dentro tanta materia cerebrale batte un cuore caldo. Bentornata fantascienza, ci eri mancata.

9 - UN POLIZIOTTO DA HAPPY HOUR di John Michael McDonagh

Come rovinare un film grazie ad un titolo ridicolo (l'originale "The Guard" ossia La guardia) e una locandina peggiore grazie ai distributori italiani. Una black comedy eccentrica ed imprevedibile, condito dall'inimitabile humour irlandese, sulla figura insolita e solitaria di un personaggio da western al tramonto interpretato a un superbo Brendan Gleeson candidato al Golden Globe per il ruolo. Sorprendente esordio dietro la macchina da presa per lo sceneggiatore McDonagh (fratello del McDonagh autore di "In Bruges"). Amara, esilarante e originale e politicamente scorretta “The Guard” è una delle migliori commedie delle commedie dell'anno ed una pellicola che lascia il segno.

8 - CARNAGE di Roman Polanski

Roman Polanski torna in grande stile con un'opera tratta dalle fortunata pièce teatrale della drammaturga francese Yasmine Reza (che collabora alla sceneggiatura) intitolata “Il dio della carneficina”. Sorretto da un cast eccezionale con ben tre premi oscar, Kate Winslet Jodie Foster e Christopher Waltz e il sorprendente John C. Reilly ma soprattutto da una sceneggiatura che si avvale di ottimi dialoghi che incalzano la narrazione senza tediare o perdite di ritmo.

Essenzialmente “Carnage” è un film sull’incomunicabilità dell’essere umano, in una società che involve antropologicamente tornando alle primordiali lotte di sopravvivenza animali nella giungla umana per stabilire il primato. La teatralità della messa in scena non soffoca il potenziale visivo e narrativo bensì ne esalta i punti di forza che rendono questa commedia cinica e spietata.

7 - THIS IS ENGLAND di Shane Meadows

Attingendo a piene mani dalle proprie esperienze

adolescenziali, il regista Shane Meadows traccia il ritratto di un momento di storia culturale inglese spesso trascurato. Sullo sfondo di una deprimente cittadina, siamo i testimoni di un traumatico rito di passaggio, sia culturale che personale, osservato attraverso gli occhi di un ragazzino.

La parabola del giovane Shaun diventa così una metafora per una intera nazione, incapace di emergere da una situazione drammatica se non con il conformismo di una mentalità che cerca la forza nel gruppo ma non riconosce la dignità dell’altro. Una pellicola indipendente dura e coraggiosa che solo dopo cinque anni è stata distribuita nel nostro paese ma che è divenuta subito un piccolo cult.

6 - LE IDI DI MARZO di George Clooney

Il pallino del Clooney regista è la politica ed al suo quarto cortometraggio continua ad indagare tra le pieghe del potere con una vicenda che si sviluppa tutta dietro le quinte in un susseguirsi di dialoghi serrati e tensione crescente grazie ad una messa in scena sofisticata ma dall'impalcatura narrativa classica. Circondato da un cast d'attori di prim'ordine (Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Ryan Gosling, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei) il bel George è abile a dirigere e orchestrare un thriller politico impegnato e patinato che riporta in auge il cinema americano che mette in campo lo star system di Hollywood all'impegno civile.

5 - WARRIOR di Gavin O'Connor

Una delle vere sorprese dell'anno. O'Connor gira un film sulla redenzione attraverso la metafora tematica tanto cara ed abusata del ring come occasione di riscatto. Ma qui siamo lontani dai canoni hollywoodiani, il suo è un cinema fatto di corpi piegati dalla volontà, che vola alto schivando a più riprese i cliché e le dinamiche del genere. Un trionfo commovente di perdent,i essenziale, scarno e votato tutto sulla fisicità e la spettacolarità dei combattimenti.
Una storia possente e solenne che rimane negli occhi e si conficca sottopelle.

4 - NON LASCIARMI di Mark Romanek

Cupo, malinconico ed elegante il film di Mark Romanek è una storia d’amore atipica, insolita ed angosciante tratta dal bellissimo romanzo omonimo di Kazuo Ishiguro che si poggia sul genere fantascientifico pur non attingendo a nessun crisma del genere. La storia di tre anime che crescono, amano e soffrono cercando di dare un senso alle loro esistenze, accettando con composto dolore il loro tragico ed ineluttabile destino.

3 - DRIVE di Nicolas Winding Refn

Refn gira un film di genere cinico ed originale che evita le trappole hollywoodiane del conformismo e soprattutto quelle del dejavù riuscendo ad articolare un meccanismo perfetto che si avvale di un montaggio straniante, angolazioni insolite che creano sorprendenti composizioni visive che si sincronizzano perfettamente con l'emotività e la tensione pulsante che viene sciorinata nella pellicola. Incastrando una storia d'amore in un noir pulp difficile da dimenticare. Premio miglior regia al Festival di Cannes.

Un regista da seguire che si conferma uno dei migliori autori visionari dell'ultima generazione.

2 - THE ARTIST di Michel Hanazavicius

Il caso dell'anno. Una dichiarazione d'amore alla settima arte che in piena era digitale e tridimensionale torna alle origini del cinema, all'epoca del muto e del bianco e nero in un'opera indimenticabile, un gioiellino destinato a far breccia nei cuori di tutti i cinefili innamorati di quest'arte. Un'opera tenera e leggera realizzata con stile e grazia d'altri tempi ma con piglio moderno. Ritmo, eleganza e passione sono gli ingredienti esplosivi di un film che rimarrà negli annali di storia del cinema e che regala in sala un esperienza sensoriale diversa, tutta giocata sulle immagini e lo splendido sonoro che accompagna la narrazione. Imperdibile.

1- THE TREE OF LIFE di Terrence Malick

Il film più atteso dell'anno. Ancora più complessa di quanto fosse lecito attenderci. Le origini della vita in un percorso che attraversa spazio, tempo e memoria alla ricerca intima e umana del senso di tutto ciò che esiste. La mitologia dell'anima, contrasto tra natura e grazia secondo Terrence Malick, che parte dal privato per giungere all'universale in un gioco di metafore, simboli, dialoghi in una sinfonia d'immagini complessa e affascinante per raccontare la storia di una famiglia americana degli anni 50 come se fosse solo una cellula infinitesimale ma palpitante nel cosmo e nel processo di creazione.
Un film immenso che non si esaurisce nella semplice visione, che ne necessita ulteriori e ridisegna i confini stessi del cinema e che probabilmente non è nemmeno di questa epoca.

Le migliori canzoni del 2011 part 2

2012-02-01T07:34:00.000-08:00

10 - THE CROOKES - Bloodshot days
Freschi, giovani e cool i ragazzini di Sheffield saccheggiano l'armamentario musicale britannico degli anni 80 rielaborandolo per i palati degli anni zero in una miscela frizzante e leggera di brit-pop sincero ed immediato. Come questo brano che ricorda i pomeriggi adolescenziali passati ad ascoltare gli Smiths in cameretta il sabato pomeriggio. Morrissey mood esplicito in questa song.

9 - GRUFF RHYS - Shark ridden waters
Il leader dei Super Furry Animals partorisce un album patellato e melodico, arrangiamenti curati e cura dei dettagli certosina come sempre. Ogni canzone è una boccettina di shampoo colorata che contiene una miscela equilibrata di Pop e Psichedelia. A metà strada tra Brian Wilson dei Beach Boys e Burt Bacarach come in questo splendido singolo dal gusto vintage.

8 - CAKE - Long time
Il pregio della rodata band californiana è quello di avere un sound riconoscibile al primo ascolto, posseggono quella leggerezza capace di rendere quelle le giornate storte o uggiose più lievi, e quelle solari e raggianti ancora più radiose. Da vent'anni le loro songs sono pezzi di torta che insaporiscono e impreziosiscono le giornate. Come questo singolo irresistibile che fa da colonna sonora anche per il magnifico finale della prima stagione della serie tv Shameless che è già cult. (Non conoscete Shameless?? siete pregati di lasciare immediatamente questo blog)

7 - I CANI - Le coppie
I cani sono una delle band più interessanti del panorama indie italiano ed il loro esordio è una delle sorprese più convincenti ed originali di questo 2011.
Qui vi proponiamo il brano simbolo che impazza in rete insieme al video girato dal filmaker lancianese Bennet Pimpinella. E ricordate che "La statistica afferma che spesso chi dà il primo bacio nel seguito del primo amplesso sarà quello che ne uscirà male".

6 - WILD BEASTS - Albatross
Il synth-pop sofisticato e sensuale sciorinato a colpi di falsetto del leader Hayden Thorpe, seduce e accarezza da ogni prospettiva musicale si guardi. Si canta l'amore passionale, carnale e viscerale quello che sgorga dal desiderio e fluisce e si perde sulla pelle.
Questo singolo ondeggia sinuoso e lezioso che stringe senza soffocare.

5 - THE KILLS - Satellite
Punk, rock, blues e melodia. Da sempre sono questi gli ingredienti del duo americano: la voce ruvida e sensuale di Alison Mosshart si fonde con la chitarra sporca e maledetta di Jamie Hince, noto alle cronache per aver portato all'altare la modella bad-girl Kate Moss.
Il risultato produce tra le altre questo singolo dannatamente ammaliante, con quel ritmo in levare, drum machine e cori che invitano a danze dionisiache orge di sensi.

4 - GIRLS - My ma
Si fanno chiamare GIRLS ma è un duo di ragazzi talentuosi di San Francisco. Il loro secondo album "Father, son, holy, ghost" è un piccolo capolavoro e tra le tante perle c'è questa meno celebre ballata retrò spalmata su un tappeto di hammond sussurrata, struggente e delicata. Come un tramonto, come un ricordo, come un addio.

3 - JAMES BLAKE - Limit to your love
Ascoltare questo ragazzo inglese di vent'anni con una voce soavemente angelica e al contempo seducentemente luciferina è come essere fermi su di un giaciglio ad osservare ciò che la musica è ora ma soprattutto come sarà domani. Il dubstep è l'unico nuovo genere interessante e scevro, privo di coordinate sul quale sperimentare e che da qui in avanti darà soddisfazioni ai palati sonori. Qui questo genere flirta pesantemente con il pop in una sintassi sonora affascinante ed avvolgente trasformando un brano di Feist in un gioiellino che traccia il confine tra la vecchia concezione di musica pop ed il nuovo. Fermiamoci ed osserviamo il futuro che albeggia dinanzi a noi.

2 - JOSEPH ARTHUR - Out on a limb
La malinconia è un limbo, un luogo di confine situato al confine tra la tristezza ed i bei ricordi. Il cantautore americano torna con un album più maturo, d'impostazione classica con ballate pronte a scaldare l'inverno, dal sapore di cose perdute, aneliti di tempi andati. Da ascoltare con la neve o in una giornata di pioggia, davanti ad un camino in cerca di calore mentre ci si abbandona ai ricordi. La malinconia come manto con cui scaldarsi e difendersi.
Questo brano è l'ultimo sguardo su un amore che finisce e sfila via tra le dita.

1- THE BLACK KEYS - Lonely boy
Il duo di Akron utilizza gli stessi ingredienti di sempre: chitarra e batteria in un mix esplosivo semplice ed esplosivo. Dentro c'è il blues, il rock ed il soul e grazie alla produzione di Danger Mouse la cui miscela li trasforma nella band più cool del pianeta. Questo singolo vintage che celebra il rock seventies ne è l'emblema pronto a infiammare i dancefloor con un video con l'omino che danza sulle note della canzone, semplice e divertente divenuto già un cult in rete.
Irresistibile.

0 - DIRTY BEACHES - Lord knows best
Dai lerci scantinati di periferia alle snob platee hipster. Lui è Alex Zhang Hungtai nato a Taiwan, cresciuto alle Hawaai e residente in Canada. La sua musica è uno splendido ibrido tra Suicide, Elvis Presley, David Lynch ed il noise in bassa fedeltà. Uno sconosciuto che è divenuto paladino e voce dell'underground che dedica il proprio disco al padre omaggiando la musica che egli amava: il sound americano anni 50 quella dei crooner come Ray Orbison.
Riprendendo quelle atmosfere, con pochi mezzi a disposizione e quindi una qualità necessariamente lo-fi a cui sopperisce con idee e talento.
Questo singolo è un lento che sembra provenire da un vecchio vinile, orchestrato su un loop pianistico da cui emerge timida e affranta una voce d'altri tempi carica di dolente romanticismo. Semplice e geniale. Il brano zero dell'anno.

Le migliori canzoni del 2011 part 1

2012-01-26T09:07:00.000-08:00

20 - NOEL GALLAGHER - The death of you and me

Che fosse lui a mandare avanti la baracca degli Oasis e che fosse il fratellino più talentuoso di casa Gallagher lo si era capito da anni, - quasi tutte le canzoni simbolo infatti erano opera di Noel -e con il primo album da solista lo conferma ampiamente. Tra i gioielli dell'album spicca questo primo singolo, rockblues elegante e melodico con uno splendido assolo di tromba che è già un cult.

19 - THE DECEMBERIST - This is why we fight

Come si fa a non essere conquistati dalla voce melodica di Colin Meloy, leader dei Decemberist, che sforna un album di puro e semplice folk rock senza fronzoli e inutili orpelli prog che caratterizzavano l'album precedente. Semplice e emotivo come questo singolo che si piazza in testa sin dal primo ascolto e te lo ritrovi a canticchiare in ogni momento della tua giornata.

18 - I MISSILI - Fossili

Hanno solo un Ep al loro attivo ma con le idee chiare e tanto talento. Questo brano è una filastrocca sonora sbilenca e obliqua che ti si inchioda in testa con il suo incedere ipnotico e suadente dal sapore acidognolo come il gusto in bocca post sbornia la domenica mattina.

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MISSILI&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;am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17 - KAKKMADDAFAKKA - Restless

Questa band dal nome impronunciabile arriva direttamente da Bergen in Norvegia, terra desolata e fredda quella scandinava eppure musicalmente attiva capace di scaldare le notti a colpi di funk rock come questo splendido singolo vagamente danzereccio.

16 - KASABIAN - Switchblade smiles

Il loro quarto album " Velociraptor!" è stato in vetta alle classifiche di mezzo mondo, non è di certo ispirato come il precedente, nemmeno vagamente una traccia delle "..influenze di Pink Floyd e Nirvana" come avevano dichiarato ma alcuni brani valgono da soli il prezzo dell'album. Come questo primo singolo contaminato con elettronica e fiati, nervoso e adrenalinico al punto giusto. Roba che spacca i culi!

15 - SING FANG - Fall down slow

Questo folletto svedese ex leader dei Seabear è l'alternativa folk del connazionale Jonsi (frontman dei Sigur Ròs) atmosfere eteree che rimandano a lande fredde e solitarie sferzate dal vento come in questo brano che pare sepolto da una coltre di neve dalla quale emerge l'eco gentile e magico di uno spiffero di voce boschiva e lontana.

14 - S.C.U.M. - Whitechapel

Gli inglesi S.C.U.M. (acronimo di Society for Cut Up Man manifesto dell'attrice Valerie Solanas attentatrice femminista di Andy Warhol) fanno parte di quel filone musicale britannico più noir ed esistenzialista degli ultimi anni che deve molto alle influenze di Velvet Underground e Joy Division. Scoperti dalla rete e lanciati dai Portishead dimostrano nel loro esordio tutta la loro magnetica personalità come si evince chiaramente anche da questo brano dal piglio post new wave.

13 - BURIAL - Stolen dog

William Bevan è un ragazzo timidissimo, lontano dal successo che lo ha travolto con il suo esordio di qualche anno fa, e lontano soprattutto dalle serate modaiole dopo l'esplosione della dubstep, dai club e non ama mostrarsi in pubblico. Tutto ciò si palesa nella sua musica, la vera anima di un dubstep cupo e liquido, diluito in un mantra sonoro ipnotico e ammaliante, che sferza e seduce.

12 - MILES KANE - Rearrange

L'ex leader dei Rascals (e metà del progetto Last Shadow Puppets insieme ad Alex Turner degli Arctic Monkeys) partorisce un album vintage che riscopre e riaffresca il britpop classico dimostrando di saper maneggiare abilmente il genere con navigata destrezza a discapito dei suoi soli 25 anni. Classicità udibile in questo perfetto singolo che il ragazzo di Liverpool propone con un arrangiamento elegante ed un riff melodico e brioso.

11 - THE ANTLERS - Putting the dog sleep

Il progetto di Peter Silberman, Th Antlers, due anni fa aveva dato alla luce un concept album "Hospice" capolavoro intimo sul rapporto uomo-malattia. Tornano con un secondo album "Burst Apart" teso ancora una volta a rimodellare i contorni del post-rock contemporaneo. Questa ballata ci riporta alle notti insonni passate tra le quattro mura silenziose delle nostra stanza a riflettere e rimuginare su un passato che non torna oppure alle lunghe passeggiate notturne malinconiche e un po' alcoliche in cui i contorni stessi dello spazio e del tempo sfumano e danzano. Magica ed onirica.

Midnight in Paris

2012-01-09T07:55:00.000-08:00

Regia: Woody Allen
Produzione: MedusaUSA 2011
Sceneggiatura: Woody Allen
Fotografia: Johanne Debas, Darius Khondji
Montaggio: Alisa Lepselter
Scenografie: Anne Seibel

Musiche: Stephane Wrembel
Con: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen
Durata: 94'

Gil (Owen Wilson) è uno sceneggiatore hollywoodiano con aspirazioni da scrittore in vacanza a Parigi con la futura moglie Inez (Rachel McAdams) e i suoceri per cercare di ritrovare l'ispirazione perduta per un romanzo. A causa di un corto circuito temporale misterioso ogni sera a mezzanotte verrà trasportato nella magica Parigi degli anni 20 in cui incontrerà tutti i suoi artisti preferiti nel pieno del fermento culturale di quell'epoca d'oro.

Nel tentativo di prolungare questi suoi incontri privilegiati tenta di ripetere il “miracolo” ogni notte destando i dubbi del suo futuro suocero insospettito dalle sue fughe notturne.

Woody Allen continua il suo Grand Tour nelle capitali europee e questa volta sceglie Parigi una delle sue città più amate e già utilizzata come sfondo narrativo in “Tutti dicono I love you" film del 1996 in cui è indelebile la scena di Goldie Hawn che volteggia elegantemente per aria danzando lungo le rive della Senna.
La capitale francese deve ispirare nel regista newyorchese qualche magico incantesimo se anche in questa pellicola decide di affidare le sorti della pellicola ad un espediente narrativo già ampiamente abusato dalla cinematografia recente per omaggiare con il proprio tocco personale i suoi miti e riferimenti artistici del passato privilegiando l'epoca d'oro della Parigi degli anni 20.

Il cinema di Allen continua circolarmente a ruotare attorno ai temi cari rimpastati e farciti ogni volta in maniera diversa, cambiano gli ingredienti e i suoi alter-ego ma la sostanza rimane la stessa. Certo qui il suo sguardo si amplia “importando” dal passato figure imponenti del mondo letterario e artistico deliziando i cultori con scambi di battute e dialoghi vivaci e sfiziosi riuscendo ad affascinare anche coloro che non conoscono i personaggi che sfilano fugacemente sullo schermo ed è qui che risiede uno dei punti di forza del film. Tutta la parte “onirica” della pellicola ambientata nel passato sembra funzionare mentre è proprio il presente narrativo a destare molti dubbi sia in fatto di recitazione che di sceneggiatura risultando un po' forzata e poco funzionale.

Penalizzato anche da un doppiaggio italiano pessimo Allen risulta meno brillante del solito, con qualche solito guizzo geniale ma meno cinismo, che in fondo è la parte che più adoriamo e si esce dalla sala soddisfatti ma con quel tedioso senso di incompletezza che serpeggia nell'aria come esser stati sedotti ma poi abbandonati dalla propria amante.
Un Allen diverso, più “popolare” del solito (gli incassi al botteghino per un suo film sono i più alti di sempre) che deluderà alcuni fan ma ne accoglierà di nuovi al proprio cospetto.

VOTO 6

One day

2011-12-10T08:09:00.000-08:00

Regia: Lone Scherfig
Produzione: Bim USA 2011
Sceneggiatura: David Nicholls
Fotografia: Bonoit Delhomme
Montaggio: Barney Pilling
Scenografie: Mark Tildesley

Musiche: Rachel Portman
Con: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Romola Garai, Ken Stott
Durata: 108'

15 luglio 1988 giorno di San Swithin. A Edimburgo Emma Morley e Dexter Mayhew si laureano, si conoscono e passano la notte insieme abbracciati, senza far l'amore. S'incontrano nel momento più bello della loro vita, quando tutto sembra possibile. Ma le loro strade prenderanno direzioni diverse e devono dirsi addio. Per vent'anni si inseguiranno, si perderanno e si sfioreranno senza mai potersi dire che il loro è vero amore. Ogni anno il 15 luglio sarà una data speciale, ovunque si trovino e qualsiasi cosa stiano facendo, le sensazioni di quella prima notte insieme tornerà a vibrare.

L'eterno conflitto cinema/letteratura si ripresenta anche in questa pellicola, atteso adattamento cinematografico di uno dei maggiori best seller degli ultimi anni, osannato da pubblico e critica, il romanzo pubblicato nel 2009 “Un Giorno” di David Nicholls.

L'annosa questione si complica ulteriormente laddove lo scrittore sia anche lo sceneggiatore del film - come in questo caso – e il romanzo in questione sia un resoconto dettagliato di un giorno preciso della vita dei due protagonisti lungo l'arco narrativo e temporale di venti lunghi anni.

A dirigere e distillare sapientemente per il grande schermo la matrice letteraria troviamo la regista danese Lone Scherfig – proveniente dalla scuola del Dogma di Lars Von Trier – autrice del fortunato “An education” che si era aggiudicato alcune nomination agli scorsi premi oscar.

Costruito su un architrave temporale fragile la narrazione visiva procede dal presente per passare via via in lunghi flashback in cui familiarizziamo con i due protagonisti ed è qui che iniziamo a veder scricchiolare le assi del racconto. Se infatti nel romanzo il trucco narrativo di raccontare il quadro generale di un rapporto complicato e indefinibile attraverso la descrizione di un solo giorno dell'anno della vita di entrambi funziona ed è speculare alla narrazione tutto ciò sul grande schermo si dissolve. Difficile far crescere un pathos che caratterizzi in modo pregnante la relazione dei due protagonisti e a livello cinematografico l'andirivieni temporale diviene una lunga sequenza di piccoli sketch romantici farciti di cliché e dialoghi serrati che tenta di replicare sullo schermo il tono ed il ritmo del romanzo che a lungo andare disperde tutto il potenziale emotivo recuperandolo solo verso il finale.

Il difetto principale è costituito dal voler proporre un accumulo di situazioni sentimentali con colpevole prevedibilità ed il tocco autoriale della regista che avevamo apprezzato nel suo precedente lavoro qui è totalmente assente e la pellicola ne risente. Anche i due attori protagonisti la sempre splendida Anne Hateway (Rachel staper sposarsi) ed il monocorde Jim Sturgess (Acrosse the universe) - sembrano non avere quel particolare feeling che riesce a scaldare i cuori degli spettatori a cui puntano.

Una pellicola indecisa tra commedia e melò che ambiva a divenire un cult ed invece si accontenta di rimanere una fedele e debole trasposizione cinematografica intrisa di un sentimentalismo fine a sé stesso che non coinvolge e appassiona fino in fondo come dovrebbe.

VOTO 6

Lasciami entrare

2011-11-28T08:21:00.000-08:00

Regia di Thomas Alfredson

Titolo originale: Låt den rätte komma in

Produzione: Svezia 2008

Sceneggiatura: John Ajvide Lindqvist

Fotografia: Hoyte Van Hoytema

Musiche: Johan Söderqvist

Montaggio: Tomas Alfredson, Daniel Jonsäter

Genere: Drammatico/Horror

Con: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist

Durata: 114’

Siamo nel 1982.Oskar è un ragazzino timido ed insicuro, vive con i genitori separati a Blackeberg, un piccolo centro della periferia di Stoccolma. Ogni giorno il ragazzino e vessato dai bulletti della sua scuola, e sogna segretamente di vendicarsi immaginando di infilzarli con un piccolo coltello che possiede. Un giorno incontra Eli, una ragazzina pallida e misteriosa appena trasferita nella casa accanto che subito lo avverte: - Non possiamo essere amici!-.

In coincidenza con il suo arrivo si verificano eventi inspiegabili ed efferati omicidi, e per un ragazzino come Oskar, affascinato dalle storie macabre, ci vuole poco ad intuire un legame tra gli eventi sanguinosi e la sua nuova vicina, di cui è sempre più attratto, e con la quale instaura un rapporto speciale.

Arriva dalla fredda Svezia questo piccolo gioiellino che ridefinisce la figura del vampiro contemporaneo al cinema, acclamato vincitore di molti festival, tra i quali spicca il premio del pubblico al Tribeca Film Festival di New York, narrando una tenera storia d’amore tra un ragazzino dodicenne ed una piccola vampira.

Tratto dal bestseller internazionale di John Ajvide Lindqvist, che ne ha curato la sceneggiatura, la pellicola riesce con ispirata lucidità ad intrecciare temi quali amore, emarginazione e disagio, in un quadro conturbante e cupo ma dai tratti teneramente poetici e romantici, innestandoli in una periferia svedese dall’architettura geometrica e desolante che amplifica il senso di disorientamento e solitudine.

La purezza della neve macchiata dal sangue esemplifica simbolicamente la natura del film, in bilico tra improvvise efferatezze e tenere effusioni finemente calibrate, che lo spettatore perlopiù intuisce piuttosto che vedere, risultando un lavoro complesso e delicato intriso di una malinconia di fondo, che pur riprendendo i cliché caratteristici della figura vampiresca li epura dai tratti modaioli degli ultimi film giovanilistici del genere, donandogli una carica poetica inaspettata ed affascinante. Non è certamente un horror, come l’utilizzo musicale ci sembra far notare, facendo leva sulle melodie piuttosto che sul tipico ritmo incalzante da suspense, ma una favola nera moderna sulle diversità ,che si arricchisce grazie ad una fotografia intrigante ed il tocco leggero ma autoriale di Alfredson.

Cult imperdibile.

VOTO 8

Le avventure di Tintin - Il segreto dell'unicorno

2011-11-24T09:16:00.000-08:00

Regia: Steven Spielberg
Produzione: Sony Pictures USA, Belgio, Nuova Zelanda 2011
Sceneggiatura: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish
Fotografia: Janusz Kaminski
Montaggio: Michael Kahn
Scenografie: Andrew L. Jones

Musiche: John Williams
Genere: Animazione
Con: Jamie Bell, Andy Sorkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost
Durata: 107'

La leggenda vuole che un giornalista malizioso durante un intervista per la presentazione del suo primo Indiana Jones fece notare la somiglianza delle avventure dell'archeologo a quelle del protagonista delle tavole di un fumetto celebre in Europa intitolato Tintin.

Nasce così l'interesse di Steven Spielberg per il personaggio creato dal fumettista belga Hergé (al secolo Georges Remi) che ne traduce le gesta letterarie in un opera filmica dopo una laboriosa gestazione trentennale. Il tempo di accorgersi di avere una tecnologia ormai matura – grazie alla sperimentazione con la performance capture elaborata da Robert Zemeckis da "Polar Express" in poi - per poter rappresentare sul grande schermo le peripezie del giovane reporter avventuriero insieme al fido fox terrier Milù, con la collaborazione decisiva della Weta Digital di Peter Jackson che dirigerà i due episodi successivi dell'annunciata trilogia.

Insieme ai suoi storici collaboratori, (Janusz Kaminski alla fotografia, Michael Kahn al montaggio e John Williams alla colonna sonora) Spielberg chiama alla sceneggiatura gli apprezzati Stephen Moffat, Edgar Wright e Joe Cornish ed insieme imbastiscono un caleidoscopio narrativo e visivo di matrice classica aggiornato con l'avvento delle nuove tecnologie e l'utilizzo di riprese virtuali in 3d. Tutto l'immaginario del regista americano ed il tocco fanciullesco della sua Amblin confluisce in questa pellicola ridondante di riferimenti e ammiccamenti all'universo personale della sua filmografia (dai titoli di testa alla “Prova a prendermi” al ciuffo di Tintin che emerge come “Lo squalo”, agli inseguimenti in pieno stile “Indiana Jones” fino allo scontro con il villains di turno che ricorda il Capitan Uncino di “Hook” e così via) senza tradire lo spirito delle tavole originali di Hervé a cui concede perfino un cameo digitale.

Girare il film interamente in digitale è un opportunità per il regista di porre l'accento sulle nuove possibilità cinematografiche e l'utilizzo dei nuovi mezzi tecnologici. Il maestro Spielberg si adegua e dimostra ancora una volta il suo talento strabiliando in più di un occasione con splendidi piano sequenza con alternati punti di vista che si mischiano costantemente nelle scene d'azione più lunghe, immortalando riprese pirotecniche e acrobatiche impossibili da eseguire “dal vero” che disegnano geometrie impensabili e spettacolari che strabordano di dettagli visivi conferendo un ritmo incalzante e fluido per tutto il susseguirsi della vicenda.

Oltre le spettacolari scene d'azione di cui il film è farcito sono da apprezzare anche le interpretazioni degli attori Jamie Bell, DanielCraig, la coppia irresistibile Simon Pegg e Nick Frost e su tutti il pioniere e veterano della motion capture Andy Serkis (in odore di candidatura all'oscar per la sua performance ne “L'alba del pianeta delle scimmie”) che nulla perdono nel trasferimento nella conversione sintetica in digitale dei loro personaggi.

Spielberg torna a stimolare nuovamente il “fanciullino” cinefilo che in noi e confeziona un film per famiglie dal sapore vintage con il piglio tipico della sua poetica cinematografica aggiornato ai nostri tempi in equilibrio tra messa in scena classica e concessioni sperimentali all'avanguardia di ripresa. Un giro rocambolesco e mozzafiato sulla giostra enorme della terza dimensione da parte di una sorta di Indiana Jones con il ciuffo.

VOTO 7

Rassegna Cinematografica "Punti di Vista" Ciakcity - Lanciano seconda edizione

2011-10-25T07:06:00.000-07:00

Con la riapertura del Ciakcity di Lanciano torna l'attesa Rassegna Cinematografica "Punti di Vista" organizzata dalla nostra associazione "I soliti ignoti" giunta alla sua seconda edizione dopo un esordio acclamato che ribadisce quanto la voglia di "cinema d'essai" a Lanciano sia viva e necessaria.

Anche quest'anno la scelta dei film è accuratamente selezionata dal de-romantico ed è varia e di pregevole fattura attenta anche alle produzioni italiane meritevoli di attenzioni penalizzate dalla distribuzione.

Ci sono anche delle sorprese che sveleremo successivamente tese a "coccolare" i nostri spettatori che fortunatamente sono sempre numerosi. Gli abbonamenti sono come al solito convenienti (20 euro) mentre il biglietto singolo costa solo 5 euro. Per info e contatti potete rivolgervi al sottoscritto oppure direttamente alle casse del Ciakcity.
Buona visione!

Drive

2011-10-18T07:50:00.000-07:00

Regia: Nicolas Winding Refn
Produzione: 01 Distribution USA 2011
Sceneggiatura: Hossemin Amini
Fotografia: Newton Thomas Sigel
Montaggio: Hervè De Luze
Scenografie: Beth Mickle, Lisa K. Sessions

Musiche: Cliff Martinez
Genere: Drammatico
Con: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Christina Hendriks, Bryan Cranston
Durata: 95'

Stuntman part time, meccanico di giorno con ambizioni da pilota automobilistico e autista da rapina per criminali di notte.È questa è la vita di un uomo (Ryan Gosling) che procede solitario e silenzioso fin quando non incontra una giovane madre, Irene (CareyMulligan) di cui s'innamora ed il figlioletto Benicio. Quando suo marito Standard esce dal carcere la situazione precipita. Egli infatti ha contratto debiti con criminali che ora minacciano la sua famiglia. Il driver allora si offre come autista in una rapina per consentirgli di sistemare la situazione e proteggere Irene e suo figlio ma le cose non vanno come previsto.

Tratto dall'omonimo romanzo di James Sallis, Drive è il nono lungometraggio del regista quarantenne danese Nicolas Winding Refn, celebre per la trilogia di Pusher, che con questo film si aggiudica a sorpresa il premio come Miglior regia al 64° Festival di Cannes.

Refn prende uno dei generi più abusati dal cinema hollywoodiano, l'heistmovie, e lo immerge nella sua personale e glaciale visione cinematografica, fatta di immagine fisse, nessuna ripresa a mano, musiche elettroniche e puntigliosa attenzione per i corpi e i dettagli. Le frenetiche corse d'auto e gli inseguimenti sono cristallizzati nelle maniacali inquadrature, frenetiche ma non confuse, con scene girate con mano sicura e attenta proprio come un bravo pilota, che enfatizza le scene più tese e cruente con uno straordinario uso del ralenty e del sonoro che prende in prestito una certa elettronica ipnotica anni 80.

Il lavoro sugli attori del regista danese è superbo, si empatizza da subito con il driver interpretato da un impeccabile Ryan Gosling – uno dei maggiori nuovi talenti sulla scena mondiale – che restituisce un'interpretazione fatta di gesti e sguardi con i dialoghi ridotti all'osso; anche i comprimari che vengono quasi tutti da serie tv di culto (Bryan Cranston/ Breaking bad, Christina Hendriks/Mad Men e Ron Pelmans/Sons of Anarchy) svolgono un eccellente lavoro con personaggi di cui sappiamo poco ma di ben caratterizzati.

Un regista da seguire che si conferma uno dei migliori autori visionari dell'ultima generazione.

VOTO 7,5

Cinestudio DiVino: Rassegna Cinematografica con degustazione di vini

2011-10-05T06:03:00.000-07:00

Il de-romantico in collaborazione con il Teatro Studio di Stefano Angelucci Marino è lieto di presentare: Cinestudio DiVino una Rassegna Cinematografica abbinata ad una sfiziosa degustazione di vini pregiati locali.
Progetto grafico by Luca Di Francescantonio

Questi i film in programma:

L'ILLUSIONISTA di Sylvain Chomet Venerdì 21 ottobre
LORD OF WAR di Andrew Niccol Venerdì 18 novembre
SLEEPERS di Barry Levinson Venerdì 20 gennaio
IL GIARDINO DI LIMONI di Eran Riklis Venerdì 3 febbraio
GOODBYE MISTER HOLLAND di Stephen Erek Venerdì 16 marzo
ELLING di Peter Naess Venerdì 30 marzo
THE JACKET di John Maybury Venerdì 13 aprile
STELLA di Sylvie Verheyde Venerdì 11 maggio

Tutti gli spettacoli avranno inizio alle ore 21 e saranno anticipati da una piccola presentazione del de-romantico.

Carnage

2011-10-03T09:18:00.000-07:00

Regia: Roman Polanski
Produzione: Costantin films FRA/UK/POL 2011
Sceneggiatura: Roman Polanski, Yasmina Reza
Fotografia: Pawel Edelman
Montaggio: Hervè De Luze
Costumi: Milena Canonero

Musiche: Alexandre Desplat, Alberto Iglesias
Genere: Commedia, Drammatico
Con: Kate Winslet, Jodie Foster, Christoph Waltz, John C. Reilly
Durata: 79'

Due famiglie, due coppie decidono di incontrarsi nell’appartamento a Brooklyn di una di loro per discutere cordialmente e riconciliare gli animi dopo che i rispettivi figli si sono azzuffati tra di loro e uno dei due ha riportato la rottura di due incisivi. Ma le buone intenzioni verranno presto messe da parte e la carneficina verbale si consumerà con esiti imprevisti.

Roman Polanski torna in concorso alla 68esima Mostra del Cinema di Venezia per presentare la sua ultima opera tratta dalle fortunata pièce teatrale della drammaturga francese Yasmine Reza (che collabora alla sceneggiatura) intitolata “Il dio della carneficina”. I toni sono quella della commedia sofisticata e verbosa che punta l’obiettivo sulle problematiche scaturite dalle relazioni interpersonali restringendo il cerchio all’interno di quattro mura domestiche e svolto in tempo reale per soffermarsi con feroce ironia carica di pessimismo sugli istinti primordiali sepolti sotto una coltre spessa di perbenismo e ipocrisia.

Il registro scelto dal regista di origini polacche ma apolide per vocazione è sarcastico ed irriverente sorretto da un cast di prim’ordine con ben tre premi oscar, Kate Winslet Jodie Foster e Christopher Waltz e il sorprendente John C. Reilly, vera forza della natura in un ruolo congeniale ma soprattutto da una sceneggiatura che si avvale di ottimi dialoghi politicamente scorretti al limite del sacrilego che incalzano la narrazione senza tediare o perdite di ritmo.

I personaggi in cattività, sembrano ingabbiati da una forza oscura che li trattiene all’interno coinvolgendoli a metter a nudo sé stessi e a smascherare gli altri in un continuo gioco di rimpalli verbali e piccole cattiverie. Essenzialmente “Carnage” è un film sull’incomunicabilità dell’essere umano, in una società che involve antropologicamente tornando alle primordiali lotte di sopravvivenza animali nella giungla umana che si attaccano a vicenda per stabilire il primato. La teatralità della messa in scena non soffoca il potenziale visivo e narrativo bensì ne esalta i punti di forza che fanno leva sulle interpretazioni strepitose che rendono questa commedia cinica e spietata una delle migliori pellicole di questa stagione cinematografica.

VOTO 7

Le migliori serie tv

2011-09-26T09:47:00.000-07:00

Eccoci con il secondo appuntamento con le serie tv da non perdere (e da riscoprire per chi le avesse perse) dopo che avevamo consigliato alcune tra le migliori anche QUI
Il cinema produce pochi veri capolavori intestardendosi perlopiù in remake, sequel, prequel e addirittura reebot di franchise trite e ritrite ed in mancanza di nuovi stimoli, ardori sperimentali, coraggiose sceneggiature e con penuria di autori originali, i serial televisivi continuano a produrre opere innovative e ambiziose che nulla hanno da invidiare al fratello maggiore rappresentato dal grande schermo. Nel grande calderone delle serie prodotte negli ultimi anni vi segnalo le migliori:

BREAKING BAD - Reazioni collaterali
Il placido professore di chimica Walter White cambia drasticamente la propria vita dal momento in cui gli viene diagnosticato un cancro ai polmoni con un'aspettativa di vita di due anni e decide di sfruttare le sue conoscenze in ambito chimico per "cucinare" metanfetamine insieme al suo ex allievo Jesse Pinkman per diventare uno spacciatore di alto livello ed assicurare un futuro economico agiato alla sua famiglia.
Creata da Vince Gilligan è una delle serie televisive americane più premiate, tra cui 6 Emmy Award per miglior sceneggiatura e miglior interprete maschile in una serie drammatica al protagonista Bryan Cranston
Imperdibile per gli amanti del tasso elevato di adrenalina.

THE WALKING DEAD
In un mondo post-apocalittico gli zombie hanno invaso il pianeta. Un piccolo gruppo di sopravvissuti guidati dallo sceriffo Rick Grimes cerca disperatamente un luogo sicuro in cui stabilirsi. Costretti a vivere in un ambiente privo di regole, controlli e sotto costante minaccia i superstiti si renderanno conto che la loro paura e la disperazione sono molto più insidiosi dei morti viventi stessi e la vera minaccia arriva dall'interno.
Serie del 2010 creata dal regista Frank Darabont basata sull'omonima serie a fumetti di ottima qualità adatta anche a chi non è amante del genere zombie è stana nominata come miglior serie drammatica agli scorsi Golden Globe. E' una delle più seguite in assoluto in America e annovera tra i suoi fan anche Stephen King che l'ha inserita tra i migliori show televisivi dell'anno.
Di qualità e con una splendida fotografia e sceneggiatura. Per gli amanti del brivido.

FALLING SKIES
La Terra è invasa da una potente razza aliena che ha sterminato il 90% della popolazione mondiale neutralizzando tutte le apparecchiature elettroniche del globo. Tom Mason, ex professore di storia fa parte di un gruppo di combattenti della resistenza umana insieme ai due figli rimasti, Hal e Matt. Ben invece, l'altro figlio, è stato fatto prigioniero dagli alieni che rapiscono e schiavizzano i ragazzi grazie ad un sofisticato congegno innestato nella loro colonna vertebrale.
La serie prodotta da Steven Spielberg è uno degli eventi televisivi di questa stagione, il social drama ambientato in uno scenario post-apocalittico è tra i più visti oltre oceano. Una fantascienza ambientata in un futuro che non c'è e proprio per questo l'elemento chiave è proprio il passato, ciò che è stato.
Da non perdere per gli amanti dello sci-fi di qualità e i fan spielberghiani.

BOARDWALK EMPIRE - L'impero del crimine
Siamo ad Atlantic City negli anni 20 in piena era Proibizionista. Il boss mafioso e politico corrotto Enoch "Nucky" Thompson ordisce un piano insieme ai suoi soci per arricchirsi attraverso la vendita illegale di liquori. Nel frattempo un reduce della Grande Guerra, Jimmy Darmody, ex protetto di Thompson inizia a frequentare il ventenne Al Capone.
La mini-serie prodotta da Martin Scorsese che dirige anche l'episodio pilota (costato solo lui venti milioni di dollari) è tratta dal saggio dello scrittore Nelson Johnson ispirato alla vita di un politico e criminale del tempo Enoch L. Johnson e dipinge un affresco d'epoca coinvolgente, preciso ed affascinante anche quando è tinto di fosco come nella migliore tradizione gangster. Vincitore del Golden Globe 2011 per la Miglior serie drammatica e per il miglior attore protagonista Steve Buscemi.
Davvero da non perdere.

BORED TO DEATH - Investigatore per noia
Ambientata a Brooklyn, New York narra le avventure dello scrittore Johnatan Ames, abituale consumatore di alcool e marijuana, in crisi ispirativa ed appena mollato dalla compagna Suzanne. Prendendo spunto da uno dei personaggi del suo scrittore preferito Raymond Chandler, ossia l'ispettore Philip Marlowe si spaccia per investigatore privato e cerca di risolvere casi senza avere nessuna licenza per farlo. Una delle sorprese di queste stagioni televisive e grazie al successo inaspettato di pubblico il canale HBO ha deciso di produrre anche una seconda stagione.
Intrecciando noir e commedia è una delle serie più originali e di fattura del panorama televisivo anche se poco conosciuta nel nostro paese.
Sicuramente da consigliare e perfetta per chi ama il genere investigativo stile ispettore Coliandro o Montalbano.

Super 8

2011-09-12T09:30:00.000-07:00

Regia:J.J. Abrams
Produzione: Warner Bros USA 2011
Sceneggiatura: J.J. Abrams
Fotografia: Larry Fong
Montaggio: Mary Jo Markey, Maryann Brandon
Scenografie: Martin Whist

Musiche:Michael Giacchino
Genere: Fantascienza
Con: Kyle Chandler, Elle Fanning, Joel Courtney
Durata: 112'

Ohio,estate del 1979. Un gruppo di ragazzini sta girando un piccolo film suglizombie in super 8 da mostrare in un festival provinciale, proprio mentre stannogirando una scena notturna nei pressi di una stazione ferroviaria diventanoinvolontari testimoni di un disastro ferroviario dal quale “qualcosa” fuggemettendo a soqquadro la loro cittadina e a repentaglio le loro stesse vite.

Alsuo terzo film da regista J.J. Abrams gira la sua opera più riuscita, unpiccolo “personal project” avallato dall’ausilio e la produzione del mentoreSteven Spielberg che fonde le sue personali manie ed ossessionicinematografiche legate ad un certo modus operanti stilistico e focalizzato sulconcetto primario del mistero -a partire dalla trama sino alla lavorazione delfilm - amalgamando in maniera definitiva gli elementi caratteristici cherappresentano il fil rouge delle sue pellicole, (dal pilota del primo episodiodi Lost per poi proseguire in Star Trek e Cloverfield) portando a compimento lasua personale poetica.

Appareevidente sin dalle prime battute che il film di Abrams strizzi l’occhio aSpielberg del periodo Amblin cercando di risvegliare le sensazioni di unastagione del cinema americano che mise al centro dell’immaginariocinematografico il mondo preadolescenziale di provincia che creò un vero eproprio sottogenere (Goonies, Scuola di mostri, Explorers) il cui cuorepulsante era rappresentato proprio dalla Amblin Enterteinment di Spielberg alquale Super 8 esplicitamente s’ispira.

Ed èproprio dagli stilemi e l’estetica di una certa produzione spielberghiana (lebiciclette come unico mezzo di conoscenza della realtà, il microcosmo dellaprovincia, i problemi con i padri etc..) da cui parte Abrams, per poicontaminarlo man mano di elementi personali, scegliendo di non rinunciare aisuoi celebri controluce che provocano bagliori lenticolari, la gestione dellasuspense e del mistero, i filmini d’epoca che rivelano segreti, il grandeincidente ed infine “l’altro” come metafora delle paure. Il tutto appare comeuna grande messa in scena alla maniera di Spielberg ma vista con gli occhi diAbrams.

Nonostantei tanti omaggi al cinema americano di genere anni 80 e la miriade di citazioni(bellissime quelle rivolte al cinema di George Romero ed il poster anacronistico deiGoonies tenuto in casa da uno dei piccoli protagonisti) Super 8 è a tutti glieffetti puro J.J. Abrams style. L’autobiografia è evidente nella riproposizionesul grande schermo della sua adolescenza, dal suo quartiere ai primi passi nelcinema con il super 8, ai suoi amici e perfino i nomi della cittadina e deinegozi che ricalca quello dei suoi familiari, impreziosendo la pellicola con lesplendideinquadrature ed una regia pulita ed elegante, sorretta egregiamente dalla musicadel compositore di fiducia sin dai tempidi Lost: il premio oscar Michael Giacchino. Impossibile inoltre non considerarele straordinarie interpretazioni dei piccoli protagonisti sui quali spiccaquella di Elle Fanning (già vista in Taken mini serie fantascientifica di Spielberg e sorella minore della più celebre Dakota Fanning) vero eproprio talento di cui sicuramente sentiremo parlare e dello sconosciutoprotagonista maschile Joel Courtney.

Allafine il senso di tutta l’operazione è confermato dalla sincerità e lo sguardointimo dell’autore, capace di raccontare una piccola storia che si inserisce inuna più grande e che conferma il talento narrativo di un regista/autore che sa commuovere,divertire appassionare e soprattutto tenere con il fiato sospeso. Uno deimigliori registi in grado di intercettare i sentori e le percezioni delpubblico degli anni 00.

VOTO 7

X-Men: L'inizio

2011-06-27T10:22:00.000-07:00

Regia: Matthew Vaughn
Produzione: 20th Century Fox USA
Sceneggiatura: Bryan Singer, Sheldon Turner, Mattew Vaughn
Fotografia: John Mathieson
Montaggio: Eddie Hamilton, Lee Smith
Musiche: Henry Jackman
Genere: Fantascienza
Con: Michael Fassbender, James McAvoy, Kevin Bacon
Durata: 132'

Dopo varie vicissitudini, cambi di regia e sceneggiature modificate, finalmente il primo film del progetto di una trilogia legato al prequel della saga degli eroi mutanti creati da Stan Lee e Jack Kirby vede la luce. Bryan Singer, vero factotum della serie, regista dei primi due capitoli ed indicato inizialmente come autore anche di questo capitolo, è qui nelle vesti di produttore mentre il timone della regia viene affidato a Matthew Vaughn, dopo gli ottimi risultati con il suo adattamento cinematografico della graphic novel Kick Ass.

Torniamo alle origini per svelare la genesi del team di mutanti, nella quale troviamo il giovane e potente telepate Charles Xavier (James McAvoy) fervente fautore di un rapporto di integrazione tra mutanti ed umani, ed il violento e vendicativo Erik Lehsnerr (Michael Fassbender), capace di controllare i metalli e futuro Magneto, che si alleano e collaborano per fronteggiare una comune minaccia rappresentata da Sebastian Shaw (Kevin Bacon), il villain di turno, intenzionato a scatenare una guerra nucleare tra le due superpotenze Usa e Urss al fine di estinguere la razza umana.

La matrice distopica che riconduce la serie agli anni 60, dona nuova linfa alla serie cinematografica; finalmente Bryan Singer torna a metter mano alla sua creatura affidando le sorti della nuova saga all’estro di un regista a proprio agio con il genere come Matthew Vaughn, ed i risultati si vedono eccome.

Probabilmente siamo alle prese con il miglior episodio dell’intera serie e ciò è dovuto a diversi fattori contingenti:anzitutto, la scelta coraggiosa di un cast giovane e talentuoso in cui troviamo, oltre i bravissimi e convincenti protagonisti, alias lo scozzese James McAvoy (Espiazione) e la sorpresa Michael Fassbender (Bastardi senza gloria), anche i promettenti Jennifer Lawrance (Un gelido inverno) nei panni di una giovane Mystica, Nicholas Hoult (A single man) che interpreta la Bestia, Rose Byrne e January Jones prese in prestito dai premiatissimi serial televisivi di Damage e Mad Men, nonché il redivivo Kevin Bacon, qui perfetto nei panni eleganti del cattivo di turno.

Collocare altresì l’episodio negli anni della Guerra Fredda - intrecciando narrazione storica e ucronica – si rivela un azzardo vincente, dal sapore e lo stile retrò con vaghi richiami alle spy-story dell’epoca che si rifanno al James Bond di Sean Connery.

Esplorare le origini dell’antagonismo tra i due personaggi più carismatici della saga, Dottor Xavier e Magneto, in cui si mostra la travagliata ma rispettosa amicizia che si trasforma in scontro, con toni epici e drammatici, era un impresa impervia e difficoltosa che Vaughn supera brillantemente, facendone la colonna portante della narrazione, che diviene progressivamente più profonda ed esplode in un climax finale coinvolgente ed appassionante. In mezzo, una pletora di personaggi secondari a cui la sceneggiatura da una propria consistenza, mostrandone peculiarità ed evoluzione.

Un reebot apprezzabile e di ottima fattura che resuscita e rinvigorisce uno dei franchise Marvel più amati di sempre che nonostante le molte “licenze” prese dagli autori rispetto al loro corrispettivo cartaceo, convince sotto ogni punto di vista in fiduciosa attesa dei prossimi capitoli.

VOTO 7

Una notte da leoni 2

2011-06-16T10:45:00.000-07:00

Regia: Todd Phillips
Produzione: Warner Bros USA
Sceneggiatura: Todd Phillips, Scot Armstrong, Craig Mazin
Fotografia: Lawrence Sher
Montaggio: Mike Sale, Debra Neil-Fisher
Musiche: Christophe Blake
Genere: Commedia
Con: Bradley Cooper, Zach Galifianakis, Ed Helms
Durata: 100'

I leoni sono tornati. E come potevano esimersi dal sequel dopo gli incassi (record per una commedia) ai botteghini di tutto il mondo?

Questa volta il regista Todd Phillips - reduce dal passo falso di Viaggio col folle - trasferisce tutti i protagonisti del fortunato primo episodio dalla sfavillante Las Vegas fino ai bassifondi della caotica ed esotica Bangkok. Con un espediente narrativo discutibile è qui che verrà celebrato il matrimonio di Stu (Ed Helms) pronto ad impalmare una bellezza locale e, dopo i disastri del precedente addio al celibato, questa volta il promesso sposo decide di optare per un tranquillo brunch pre-matrimonio insieme agli amici di sempre Phil (Bradley Cooper) e Doug (Justin Bartha) e l’instabile Alan (Zach Galifianakis), ma anche questa volta le cose non andranno come previsto.

Dopo la sbornia post-successo del primo episodio, Todd Phillips si concentra sul prevedibile sequel e sin dalle prime battute si ha l’impressione che il regista americano scelga di solcare le strade sicure tracciate dal suo film precedente piuttosto che battere nuovi sentieri narrativi.La collaudata formula si arricchisce solo di qualche piccola variante, come la scelta di assurgere a protagonista il simpatico gangster cinese Mister Chow (Ken Jeong) e l’ingresso in un piccolo ruolo dell’istrionico attore Paul Giamatti, oltre che una sistematica accelerazione del pedale nel ritmo e nell’action-movie.

Per il resto tutta la vicenda dà la fastidiosa sensazione di deeja-vu, la pellicola ammicca continuamente con il suo predecessore (difficile seguire la trama e le trovate comiche con i rimandi continui per chi ha perso il primo film) ricalcandone le gag e gli stilemi comici.

Ciò penalizza fortemente la pellicola, la presenza organica di nuovi attori non modifica sostanzialmente la formula, e la sensazione del già visto è troppo presente durante tutta la narrazione. Certo si ride ancora e molto, alcune gag risultano efficacissime, ma sono continuamente smorzate da quella prevedibilità che stempera l’atmosfera di goliardia in cui ci si immerge. Tutto quello che rappresentava una ventata d’aria fresca per la commedia americana nel film originale qui ne rappresenta il punto debole, la sceneggiatura non approfondisce i personaggi e le situazioni e la location thailandese diviene un mero espediente esotico non giustificato

Forse era possibile osare qualcosina in più, piuttosto che seguire la facile rotta disegnata con il primo addio al celibato, una visionaria temerarietà avrebbe giovato alla pellicola e rinverdito la saga, se come già annunciato e già previsto il terzo capitolo. Proprio sul più bello Phillips avrebbe dovuto stupire ed invece ha preferito salpare per lidi più sicuri e conosciuti piuttosto che inoltrarsi nel mare aperto delle possibilità. Peccato.

VOTO 6

Source Code

2011-05-18T09:11:00.000-07:00

Regia: Duncan Jones
Produzione: Vendome Pictures USA-Francia
Sceneggiatura: Ben Ripley
Fotografia: Don Burgess
Montaggio: Paul Hirsc
Scenografie: Barry Chusid
Musiche: Chris Bacon
Genere: Fantascienza
Con: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga
Durata: 93'

Risvegliarsi nel corpo di un altro e riviverne ogni volta i suoi ultimi 8 minuti di vita su un treno di pendolari diretto a Chicago, fino a quando non troverà l’attentatore responsabile dell’esplosione. E’ questo il compito del capitano Colter Stevens (Jake Gyllenhaal), pilota di elicotteri e veterano in Afghanistan. Di più non può sapere perché la missione è top-secret, denominata “Source Code”.

Torna a distanza di due anni dal suo piccolo capolavoro d’esordio, ‘Moon’ – probabilmente il più bel film di fantascienza del decennio - il regista britannico Duncan Jones, figliol prodigo della star della musica mondiale David Bowie, approdando ad Hollywood con un film dal medio budget (32 milioni di dollari), un cast d’eccezione, seppur ristretto (Jake Gyllenhaal, Vera Farmiga, Jeffrey Wright) e soprattutto una storia di più ampio respiro rispetto al suo primo lavoro, adatta anche ai meno avvezzi con il genere di nicchia come la Science Fiction.

Anche in questo progetto ritroviamo le tematiche care al regista, ed in un certo senso ‘Source Code’ rappresenta il prolungamento naturale di ‘Moon’, continuando a descrivere quella predisposizione ad indagare le possibilità di un individuo, che da solo riesce a cambiare le proprie sorti e quelle degli altri, pur rimarcandone la sostanziale fragilità.

Tutto questo sorretto dall’impalcatura di un genere, lo sci-fi, che negli ultimi anni aveva perso la freschezza e la potenza del canone degli esordi (‘2001 – Odissea nello spazio’, ‘Solaris’) ridotta alla spettacolarizzazione degli effetti speciali e schiava degli espedienti visivi.

Jones rinnova quella tensione ed utilizza la fantascienza come espediente per indagare le dinamiche più oscure ed intime dell’animo umano, e con il suo ausilio elabora una grammatica introspettiva che scandaglia la psiche e concentrare l’attenzione sul tema portante dell’identità. Bowie junior è abile a riuscire a coniugare queste premesse con l’action-thriller che strizza l’occhio al grande pubblico, a fondere le istanze della fantascienza classica con i blockbuster moderni, senza pagare dazio all’intrattenimento con la sofisticatezza del proprio sguardo, sviluppato con uno stile concreto ed impeccabile. Da elogiare infine la prestazione attoriale di Jake Gyllenhaal, finalmente a proprio agio in un ruolo degno e congeniale alle sue potenzialità interpretative.

Dentro tanta materia cerebrale batte un cuore caldo. Bentornata fantascienza, ci eri mancata.

VOTO 7,5

Habemus Papam

2011-05-04T07:46:00.000-07:00

Regia: Nanni Moretti
Produzione: Sacher Film, Fandango ITA
Sceneggiatura: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli
Fotografia: Alessandro Pesci
Montaggio: Esmeralda Calabria
Scenografie: Paola Bizzarri
Musiche: Franco Piersanti
Genere: Commedia
Con: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Margherita Buy
Durata: 104'

Alla morte del Pontefice si riunisce il conclave. I primi scrutini si concludono con delle fumate nere, dato che i cardinali favoriti alla successione non ottengono il quorum necessario. Dopo altre votazioni, viene eletto a sorpresa il cardinale Melville (Michel Piccoli). In piazza San Pietro i numerosi fedeli attendono ormai da ore il nome del nuovo Papa e proprio mentre il cardinale protodiacono esce dal balcone per annunciare il nome del nuovo Pontefice, il neo-eletto ha una violenta crisi di panico e fugge via nello sconcerto generale, interrompendo la cerimonia prima che sia proclamata la sua elezione.

A 5 anni dal suo ultimo lavoro (Il Caimano), il nuovo atteso undicesimo lavoro di Nanni Moretti segna una svolta nella geografia sentimentale del regista romano che decide di ambientare la sua storia all'interno delle mura vaticane e di scandagliare da vicino le fragilità umane di una figura imponente che dialoga quotidianamente con il divino, rinchiuso nella prigione dorata vaticana.
Non una dissacrante opera anti-clericale, ma un film dalle due facce: una più umoristica e l'altra drammatica. Un Moretti diverso, non più perno intorno a cui girano le vicende ma, ingranaggio a servizio della storia. I suoi leit-motiv (l'interno in auto, la scena danzante, lo psicologo..) ci sono tutti ma hanno un sapore diverso, più lieve e mite anche la sua vis polemica.

Una riflessione sulla solitudine, sulle fragilità e le difficoltà di un uomo di fronte a grandi responsabilità e sul fallimento. Fosse anch'egli un Papa (interpretato da uno straordinario Michel Piccoli) siamo destinati a soffrire soli, con o senza fede Un film ambizioso alla ricerca disperata di un equilibrio formale ed emotivo che non raggiunge mai, incerto tra il serio e faceto. Evitabili e discutibili le scene con i cardinali pallavolisti e alcune trovate surreali in un opera tecnicamente ineccepibile ma sostanzialmente incompleta.

VOTO 6

Non Lasciarmi

2011-04-06T10:26:00.000-07:00

Regia di Mark Romanek

Produzione: USA, GB 2010 20th Century Fox

Sceneggiatura: Alex Garland

Fotografia: Adam Kimmel

Montaggio: Barney Pilling

Scenografie: Mark Digbie

Musiche: Rachel Portman

Genere: Drammatico

Con: Keira Knightley, Andrew Garfield, Carey Mulligan

Durata: 103'

Katy H.(Carey Mulligan) ricorda il suo passato, quando insieme ai suoi compagni Ruth (Keira Knightley) e Tommy (Andrew Garfield) ha trascorso l’infanzia e l’adolescenza nel severo college di Hilsham, immerso nell’idilliaca campagna inglese, senza nessun contatto o conoscenza del mondo esterno. Ormai adulti si ritrovano per affrontare i segreti celati nel loro oscuro passato comune che li costringe ad affrontare un percorso esistenziale doloroso ed intenso che li terrà legati al doppio filo, fino alla fine delle loro brevi e necessarie esistenze.

Il libro di Kazuo Ishiguro “Never let me go” da cui è tratta la pellicola è stato uno dei pochi casi letterari degli anni 00, definito da molti addetti ai lavori uno dei migliori romanzi dell’ultimo decennio. È sempre difficile, com’è noto, trasporre sul grande schermo un libro, a maggior ragione se si tratta di un’opera così importante, complessa ed amata.

Ad occuparsi dell’impervio adattamento viene chiamato Alex Garland (Sunshine/28 Giorni dopo) che pur tradendo immancabilmente la parabola distopica di Ishiguro, immersa in un atmosfera nebulosa e sospesa che procede per accumulo, riesce lo stesso a veicolare con efficacia i numerosi sottotesti e le peculiarità della vicenda, senza cedere (e eccedere) in facili sentimentalismi. Tratteggiandone i meriti però, c’è da dire che la sceneggiatura rimane l’anello debole del film, troppa la densità emotiva da gestire e troppo sottili le inquietudine e le assonanze che confluivano dalla materia letteraria, che rivelava in maniera graduale la natura distopica della storia, e che purtroppo si perdono nella traduzione filmica che palesa in apertura questo elemento essenziale.

D’altro canto la regia di Mark Romanek (One hour photo) – un passato da regista di culto di videoclip musicali – è soffusa, geometrica, con tinte fosche e inquietanti, ma fedele alle intenzioni di Ishiguro, imperlando il suo lavoro con l’uso equilibrato di campi lunghi e primissimi piani, conducendo la pellicola verso un piano sempre più astratto e metaforico. La bellissima scenografia di Mark Digby (The Millionaire) si fonde con le musiche della compositrice Rachel Portman (Le regole della Casa del Sidro) amalgamandosi all’atmosfera plumbea dello spirito del romanzo. Sull’ottimo comparto tecnico si muovono con estrema convinzione e partecipazione le interpretazioni dell’intensa Keira Knightley(Last Night), la talentuosa Carey Mulligan(An education) e il lanciatissimo Andrew Garfield (The Social Network).

Cupo, malinconico ed elegante il film di Romanek è una storia d’amore atipica, insolita ed angosciante che si poggia sul genere fantascientifico pur non attingendo a nessun crisma del genere. La storia di tre anime che crescono, amano e soffrono cercando di dare un senso alle loro esistenze, accettando con composto dolore il loro tragico ed ineluttabile destino.

VOTO 7

Top songs 2010 part II

2011-03-18T10:13:00.000-07:00

10 - SUFJAN STEVENS - All delight people (rock version) @live

Uno dei migliori giovani cantautori esistenti, un genio visionario e ambizioso. Questa versione rock (c'è anche una versione estesa e diversa nel EP) fa parte di un EP straordinario di 6 canzoni e 60 minuti di musica, uscito a sorpresa e gratuito il giorno stesso dell'annuncio su internet. Una ballata folk sbilenca e ammaliante con cori, strumenti vintage e scoppiettanti fanfare.

9 - TENNIS - Marathon @live

I coniugi Moore propongono un beach-pop indie che richiama le melodie dei Beach Boys ed i gruppi femminili dei primi anni 60. Gemma pop rapida e contagiosa, solare e nostalgica, di una raffinatezza lo-fi retrò imperlata dalla graziosa voce di Alaina Moore.

8 - DEERHUNTER - Revival @video

Sofisticati e osannati dalla critica i talentuosi americani al loro quarto album trovano il perfetto compromesso tra malinconia e vitalità, sinteticità e pulsazione sentimentale. Questa ballata inebriante e vellutata ne è il sunto più eloquente e lussureggiante.

7 - WARPAINT - Undertow @video

Le quattro ragazze californiane costruiscono mondi sonori che assomigliano a mondi inesplorati e lande desolate e oscure con orizzonti lontani. La cupa melodia si attacca alla pelle e s'insinua seducendoci e stordendoci lievemente come le nostre contrazioni oscure.

6 - FOALS - Spanish sahara @video

Con il secondo album il gruppo di Brighton abbandona le atmosfere math e frenetiche per diluirle nelle armonie fatte di dolci arpeggi e psichedelici rimandi. Questo splendido singolo sintetizza tutta la ricerca di un sound più morbido che si affida alla colonna portante della melodia.

5 - VAMPIRE WEEKEND - Cousins @video

Non tradiscono i quattro newyorchesi al loro secondo album mantenendo gli ingredienti principali del loro scoppiettante esordio. Sotto la godibile superficie pop si nascondono arrangiamenti elaborati che rendono il loro sound immediato ed originale grazie alla loro continua ricerca ritmica. Questo singolo dalla melodia catchy e ritmo sincopato ne è una dimostrazione esemplare.

4 - THE NATIONAL - Conversation 16 @video live

Uno dei dischi più attesi dell'anno e ennesima conferma per il gruppo di Matt Berninger, il frontman con la voce baritonale che è il vero marchio di fabbrica della band, capace di portare i pezzi dell'album al loro apice, come in questa ballata struggente che dilania e poi culla i cuori più fragili. Classe ed intensità.

3 - ARCADE FIRE - The suburbs @video

La band indie del decennio. Fondamentali. Miglior album anno e premi ovunque, sfondando anche nel mainstream.
Stelle del circuito indie, figli della new wave dei tardi anni 70 ma con un'attitudine folk lontana dagli eccessi e dal clamore del grande pubblico. Disincanto post-moderno e armonie romantiche vintage convivono e si esaltano ad ogni nuovo ascolto affinché l'eleganza e le armonie possano fluire. Essenziali.

2 - GROUPLOVE Colours @video

Occhio a questi ragazzi. Vengono da Los Angeles e sono la nuova "next big think" del 2011. Sono arrivati alla ribalta senza nemmeno avere un album grazie ad una manciata di canzoni che circolavano in rete (vedi Arctic Monkeys).
Ora è uscito il loro primo EP e questo è il video del loro primo singolo. Talento e personalità con piglio sfrontato e approccio indie-rock aggiornato al nuovo decennio.

1 - PVT Window @video

Sotto l'ala della migliore etichetta musicale elettronica attuale al mondo, la WARP ci sono questi australiani PVT che con il loro neopsych-electro rock dettano la strada che seguirà l'elettronica d'avanguardia.
Sonorità impervie forse ma seducenti, coglierne tutti gli aspetti, le sfumature, i cambi di ritmo e di stile, è come intraprendere un viaggio in una dimensione parallela all'ordinaria realtà.
Distese di synth, grovigli elettronici, ammiccamenti pop, rigurgiti Eighties, math, post- e chi più ne ha più ne metta. Ma la sensazione è che dietro al caos apparente ci sia un ordine logico. Un capolavoro di modernariato pop.

Rassegna Cinematografica "Punti di Vista" Ciakcity - Lanciano

2011-02-21T06:31:00.000-08:00

Il de-romantico in collaborazione con Gianna Gaetano, Morango e Ciakcity presenta:
la rassegna cinematografica "Punti di Vista"

Tutti i martedì a partire dal 8 marzo fino al 19 di aprile verranno proiettate alcune pellicole premiate e amate che hanno caratterizzato la scena cinematografica del 2010 e a causa di penalizzanti logiche di distribuzione non hanno avuto spazio nelle sale della nostra provincia.
Le proiezioni saranno anticipate da una breve presentazione del de-romantico che articolerà la scelta del film e ne illustrerà le informazioni e dati tecnici preponderanti per attingere al punto di vista dell'autore al fine di poter conferire qualche strumento in più per apprezzarne maggiormente la visione.
Vi attendiamo!

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Contributi grafici e video by morango

Top Songs 2010 part I

2011-01-25T05:24:00.000-08:00

20 - HEY MARSEILLES - Rio
Un sestetto folk che viene da Seattle ci regala una ballata orchestrale con continui cambi di registro che la rendono adorabile ed adatta per ogni risveglio mattutino col buonumore. Questi singolo aperto dal contagioso 'clap hands' riassume tutta la loro poetica musicale, una tavolozza sonora che scivola in un tripudio di fiati e cori.

19 - FYFE DANGERFIELD - Barricades
L'ex leader dei Guillemots nel suo esordio da solista inserisce un gioiellino malinconico struggente e delicato, una ballata garbata e lieve a ribadire a tutti i cuori che: The love is a barricades/ L'amore è una barricata.
Preziosa e rara come perla nel favo custodita nel fondo di un abisso.

18 - SMITH WESTERNS - Be my girl
Uno dei gruppi giovani più interessanti del panorama indie americano. Definiscono la loro musica una specie di garage -glam-lo-fi ma in realtà è indie-rock grezzo e ancestrale. E questa canzone sporca e lisergica è una vera leccornia per i palati fini. Da tenere d'occhio.

17 - SMILES AND FROWNS - The echoes of time
Esordiente duo dell'Arizona sospeso tra le atmosfere retrò con organi, vecchi sintetizzatori, chitarrine vintage e il folk-pop moderno. Questa delicata e dolce-amara song rievoca i bei tempi passati con un mood soffice ed ammaliante che non mancherete di adorare.

16 - THE BLACK KEYS - Tighten up
I 'fratelli' di Akron del blues-garage-punk-rock sfornano l'ennesima delizia per le nostre orecchie. Una calda e suadente rock song dalle linee morbide e conturbanti in perfetto equilibrio tra il blues d'annata e il rock contemporaneo.

15 - KIMBRA - Settle down
Singolo di debutto per questa giovane singer australiana che mischia il soul alla Nina Simone con le sonorità moderne e sperimentali alla Bjork con il piglio melodico di Amy Winehouse. Un brano eccelso e raffinato, conturbante ed elegante dall'anima modern soul.

14 - JAILL - On the beat
Leggenda vuole che la celebre casa discografica indie la Sub Pop li abbia scovati in un locale di Seattle e li abbia subito messi sotto contratto. Di certo questi ragazzi hanno talento ed il loro indie surfing- revival ne è la certezza; melodie che si attaccano ai timpani e inducono all'ascolto reiterato, obiettivo che si prefigge da sempre il power-pop a stelle e strisce.

13 - ERLAND & THE CARNIVAL - Trouble in mind
Anticipato da un video coloratissimo e delizoso, la nuova creatura di Simon Tong, batterista dei The good, he bad & the queen di Damon Albarn è una sarabanda di indie pop venata di psichedelia folk irresistibile ed accessibile a tutti.

12 - PORCELAIN RAFT - Dragonfly
Una delle possibile 'next big things' vengono dal Regno Unito e propongono un indie pop etereo ed intrigante di difficile definizione ma facile seduzione. Sospesi nel limbo che divide la dimensione onirica da quella reale.

11 - BELLE & SEBASTIAN - I want the world to stop
La vita è una merda ammettiamolo, ma poi esce il nuovo singolo dei Belle & Sebastian e di colpo il mondo non ci sembra poi un luogo così male in fondo.
Dio benedica la Scozia e l'indie-pop! Chapeau!

10 - BEST COAST - When I'm with you
In vetta nella classifica stilata dal magazine musicale NME tra le 50 migliori band di questo 2010. Sole, spiaggia, costa californiana e il beach pop anni 60: questi gli ingredienti della musica dei Best Coast. Il singolo è uno spedito surf-pop che evoca i Beach Boys d'annata con ritornello appiccicoso ed annesso mini assolo nel mezzo. Estivo e vintage.

Top Ten film 2010

2011-01-13T09:23:00.000-08:00

10 - OLTRE LE REGOLE - The Messengers
Una delle piccole perle della stagione. Snobbato dai media, adorato nei festival e candidato a due premi oscar, il film di Oren Moverman è un film sulla guerra anomalo e straziante. La storia di due ufficiali incaricati di consegnare ai familiari delle vittime della guerra in Iraq la notizia del loro decesso, ci consegna una riflessione intima e amara sul dolore che i conflitti portano con sé. Piccole implosioni, vivido silenzio e tenere solitudini in questo splendido e fragile film.

9 - BENVENUTI A ZOMBIELAND
La commedia dell'anno. Un inatteso successo oltreoceano, da noi uscito direttamente ed inspiegabilmente per il mercato home video, già al lavoro per sequel che uscirà in 3D. Una pellicola on the road ambientata in un mondo ormai dominato dagli zombie strepitosa ed irriverente. Adatta anche a chi non ama il genere zombie-movie ma le ottime commedie. Un film che è già un cult. Imperdibile.

8 - TRA LE NUVOLE
Una tragi-commedia che riflette sulla crisi finanziaria e le sue inevitabili conseguenze.
Il figlio d'arte Jason Reitman, già autore di piccoli cult come "Thank you for smoking" e l'acclamato vincitore del festival di Roma 2008 "Juno" alle prese con la sua opera più matura convince e stupisce. Dialoghi frizzanti, sceneggiatura brillante ed interpreti impeccabili, con un Clooney in stato di grazia.

7 - L'UOMO CHE VERRA'
Il miglior film italiano dell'anno. Giorgio Diritti si conferma un talento straordinario e sensibile, firmando un piccolo capolavoro. La strage di Marzabotto, durante la seconda guerra mondiale, vista dagli occhi di una bambina scampata al massacro.
Recitato nell'antico dialetto romagnolo, il film restituisce la semplicità, i silenzi e le vite che si perdono nella storia. Senza vincitori, né vinti.
Un film necessario ed impagabile, da custodire ed amare. Per non dimenticare.

6 - IL PROFETA
Il cinema francese regala sempre grandi soddisfazioni, ma in questo caso Audiard dispensa un capolavoro, che ha concorso fino all'ultimo per l'oscar come miglior film straniero. Il racconto di formazione criminale di un giovane immigrato che in carcere è assoldato ed istruito dalla mafia còrsa, cinico e crudele. Girato divinamente con piglio realista, senza ruffianerie o sentimentalismi di parte.
Perché le prigioni sono anzitutto dentro di noi.

5 - IL SEGRETO DEI SUOI OCCHI
L'argentino Juan Josè Campanella gira il film della vita. Premiato a sorpresa con l'oscar come miglior film straniero, è una storia d'amore controtendenza, senza facili allusioni o cliché sentimentali ambientato su due piani temporali distinti ma contigui. Forte di una sceneggiatura strepitosa ed una fotografia sontuosa, retto dall'interpretazione regale di Ricardo Darìn, una sorta di Matroianni sudamericano.
Una pellicola girata con la maestria dei vecchi film di una volta, robusto e indimenticabile, con un paio di sequenze memorabili, da storia del cinema.

4 - THE ROAD
Tratto dall'immenso romanzo premio Pulitzer nel 2007 "La strada" di Cormac McCarthy la pellicola narra di un padre (uno strepitoso Viggo Mortensen) costretto a proteggere il proprio figlio in un mondo devastato da un non precisato disastro che ha spazzato via quasi ogni forma di vita sulla terra. Un racconto intimo e pregno, delicato e poetico pur nelle nefandezze che il genere umano sa produrre. Opera asciutta e cupa, silenziosa e cinica. Un film difficile, fragile ed intenso, che fa male. Come ogni cosa sublime che squarcia le nostre resistenze mettendoci a nudo.

3 - THE SOCIAL NETWORK
Non un film su Facebook, non un biopic sul suo fondatore Mark Zuckerberg, ma un film sui nostri tempi e gli anni zero.
Il miglior sceneggiatore hollywoodiano (Alan Sorkin) al servizio del regista più talentuoso (David Fincher) al lavoro con i giovani attori più interessanti del momento (Jesse Eisenberg e Andrew Garfield) producono un mix geniale e irresistibile con una pellicola in odore di oscar e pioggia di nomination. Il cult degli anni zero che sviscera le moderne inclinazioni sociali e decreta la potenza e l'influenza attuale della Rete.

2 - A SINGLE MAN
Lo stilista Tom Ford al suo esordio dietro la macchina da presa partorisce un film sublime e perfetto. Adattando per il grande schermo l'impervio romanzo di Christopher Isherwood "Un uomo solo", si cimenta in un lavoro elegante ed intenso, orchestrando con sentimento e passione il racconto dell'ultimo giorno di un uomo sopraffatto dal dolore e la solitudine, interpretato da un sontuoso Colin Firth. Ford incastra alla perfezione tutti gli elementi filmici e costruisce un ingranaggio scenico e cinematografico prezioso e soave, raro e commovente. Cinema alla sua magnifica essenza.

1 - AVATAR
Non un semplice film ma un evento. Polverizzato ogni record d'incasso il "costruttore di sogni" James Cameron porta avanti il suo percorso personale permettendo al cinema odierno di proiettarsi nel futuro digitale della terza dimensione. Ancora una volta avanza di un gradino nella scala della storia del cinema concependo un'opera straordinaria, un'impresa "divina" nel partorire e far vivere le sue creature Na'vi nel magico e bucolico mondo di Pandora, un lavoro improbo snocciolato lungo 14 anni che apre uno scorcio ed indica una nuova strada nelle possibilità artistiche della settima arte.

The Tourist

2011-01-04T10:53:00.000-08:00

Regia di Florian Henckel Von Donnersmarck

Produzione: USA, Francia 2010 01 Distribution

Sceneggiatura: Julian Fellowes, Christopher McQuarrie

Fotografia: John Seale

Montaggio: Joe Hutshing, Patricia Rommel

Scenografie: Colleen Atwood

Musiche: James Newton Howard

Genere: Thriller

Con: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton

Durata: 103'

Gli ingredienti essenziali per un buon film sono vari: una splendida location, budget sostanzioso, attori internazionali di prim'ordine ed un regista talentuoso e premiato con l'oscar. Una miscela che solitamente dovrebbe essere garanzia di un prodotto di pregevole fattura, o perlomeno degno di considerazione.

Eppure Venezia, la coppia di divi inedita Depp-Jolie e il regista tedesco Von Donnersmarck - premiato con l'oscar come miglior film straniero nel 2007 con lo splendido Le vite degli altri - non sono sufficienti ad imbastire un degno (o come minimo sufficiente) remake della pellicola francese del 2005 Anthony Zimmer diretta da Jerome Salle.

Nelle intenzioni del regista teutonico vi era il preciso e lodevole tentativo di riportare in auge le vecchie pellicole giallo-rosa (Caccia al ladro o Sciarada), cercando di assemblare un blockbuster elegante dal sapore retrò con i crismi ed il piglio della narrazione moderna.

Ciò che ne viene fuori tuttavia è un enorme pasticcio cinematografico, una sorta di cinepanettone internazionale che seppur intrattiene decorosamente non riesce neanche lontanamente ad ambire alle aspirazioni cui si prefigge.

Ė un film pessimo che delude sotto ogni aspetto: dalla fotografia eccessivamente patinata da spot commerciale alle musiche scombinate e fuori luogo, passando per una regia convenzionale ed anonima ad una sceneggiatura a dir poco imbarazzante, che pur avvalendosi di due premi oscar come Julian Fellowes (Gosford Park) e Christopher McQuarrie (I soliti sospetti) non riesce a costruire quella tensione emotiva necessaria, e rimane piuttosto impantanata in inseguimenti improbabili al limite del surreale che infarciscono la pellicola di momenti comici involontari.

La due star mondiali più attese, sia per notorietà che per incassi, mettono a dura prova anche i loro fan più incalliti.

Angelina Jolie sembra quasi congelata nella sua bellezza statuaria, mentre Johnny Depp appare stralunato quanto annoiato, di certo non supportato nella caratterizzazione di un personaggio ambiguo e vuoto, oscurato dall'eleganza fascinosa e prepotente della Jolie.

Una cartolina magnifica per la splendida città lagunare di certo, che permette l'incursione ad alcuni attori nostrani di darsi un lustro evitabile, che finisce per rendere una delle pellicole più attese della stagione in quella che probabilmente si profila come la delusione maggiore.

VOTO 4

Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni

2010-12-22T06:55:00.000-08:00

Regia di Woody Allen

Produzione: USA/Spagna 2010 Medusa

Titolo originale: You will meet a tall dark stranger

Sceneggiatura: Woody Allen

Fotografia: Vilmos Zsigmond

Montaggio: Alice Lepselter

Scenografie: Jim Clay

Genere: Sentimentale

Con: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin, Freida Pinto

Durata: 98'

"Lavoro sempre per disperazione, per paura. Finisco un progetto e non voglio tempo libero [...] così non devo starmene seduto su una sedia a pensare in quale terribile situazione si trovano gli esseri umani." Con questa dichiarazione d'intenti Allen presenta a Cannes il suo ultimo lavoro, e ci indica la chiave di lettura delle sue ultime pellicole: il lavoro indefesso in cui si rifugia, la necessità di una routine cinematografica come via di fuga dal pessimismo comico di cui è permeato ed il cinismo che lo contraddistingue.

In quest'ottica stakanovista filmica, appare chiaro che un calo fisiologico sia ammissibile nella lunga filmografia recente del genio newyorkese, ancor di più se ciò avviene dopo l'ispirato “Basta che funzioni” che aveva rispolverato il Woody Allen d'annata con una pellicola moderna e memorabile.

Per questa nuova pellicola Allen torna nuovamente in Europa, precisamente a Londra e a settantacinque anni suonati sceglie nuovamente di raccontare le nevrosi, i turbamenti e le angosce di due coppie in crisi. La prima rappresentata da Alfie (Anthony Hopkins) e Helena (Gemma Jones) e la seconda dalla loro figlia Sally (Naomi Watts) e suo marito Roy (Josh Brolin). Tutti e quattro alle prese con nuovi amori, nuove prospettive ed una folle ed insana speranza di migliorare le proprie vite ormai in preda alla noia e la vacuità esistenziale. La nuova prospettiva alleniana indica nell'irrazionalità e nella magia la via per l'illusione di un briciolo di felicità “perché a volte le soluzioni magiche sono meglio delle medicine”.

Partendo da una citazione di uno shakespeare nichilista (“..la vita non è altro che rumore e furore. Priva di ogni sostanziale significato”) ci conduce in un intreccio narrativo che tocca i più svariati argomenti: dall'arte alla crisi creativa, dalla maternità alla vecchiaia, dal romanticismo al sesso, percorsi con la presenza stabile sullo sfondo della magia cialtronesca e la sua illusione. I temi portanti dei suoi recenti lungometraggi si ripropongono e si accavallano anche in questo lavoro, così come le scelte stilistiche e le caratterizzazioni dei personaggi, alter ego dell'autore nelle sue varie età, che sembrano stancare o non interessare lo spettatore meno smaliziato.

Ci si ritrova quindi ad oscillare tra l'appagamento e l'insoddisfazione, tra soluzioni eleganti e recitazioni impeccabili, a dialoghi poco rapaci e trama circolare monotona e senza sussulti.

Ma ciò che più appare evidente in questa pellicola è la mancanza di sarcasmo, del gusto della battuta sagace ed irriverente, un film amaro e stanco il cui confine tra farsa e tragedia è quanto mai labile, lasciando che le linee narrative si sfaldino fino ad un improvviso e leggero finale in cui la morte - il cui bel titolo originale metaforico allude (“Incontrerai uno sconosciuto alto e nero”) - aleggia sinuosa danzando sulle illusioni che sono l'unico pasto di cui possiamo cibarci in questa realtà, per avere una sensazione lieve e concreta di felicità.

VOTO 6

The social network

2010-12-14T10:26:00.000-08:00

Regia di David Fincher

Produzione: USA 2010 Sony Pictures

Sceneggiatura: Aaron Sorkin

Fotografia: Jeff Cronenweth

Montaggio: Kirk Baxter, Angus Wall

Scenografie: Donald Graham Burt

Musiche: Trent Reznor, Atticus Ross

Genere: Biografico

Con: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Max Minghella

Durata: 120'

Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), il più giovane miliardario della storia e creatore del social network più popolare ed utilizzato del globo, nel 2004 era solo un promettente studente di Harvard dalla vita sociale esigua, rifiutato da tutte le associazioni elitarie della facoltà e scaricato dalla ragazza.

In una nottata, offuscato dai fumi dell'alcool e dell'orgoglio ferito mette online tutte le foto delle ragazze dell'ateneo di Boston prelevate dall'archivio, con lo scopo di far votare le più attraenti e scartare le più abiette. I computer del campus in breve intasano la linea ottenendo un successo immediato e sorprendente. Multato per aver violato i sistemi di sicurezza dell'università l'impresa di Mark non passa inosservata: due facoltosi studenti, i fratelli Winklevoss, atleti di canottaggio, lo contattano per dar sviluppo ad una loro progetto.

L'idea non avrà seguito ma basterà a far scoccare la scintilla al geniale Mark che prendendone spunto comincerà a lavorare all'odierno Facebook. Il successo è repentino e smisurato e la battaglia legale che ne seguirà sarà spietata e senza tregua.

Questo non è un film su facebook. È bene chiarirlo subito e sgomberare il campo da probabili fraintendimenti.

Questo è un film che parla dei nostri tempi, del nuovo capitalismo americano rampante, del “new american dream” che parte dai campus universitari per conquistare il mondo, sia virtuale che reale, imprenditoria abile e scaltra ad intercettare le pulsioni ed i desideri moderni di una nuova generazione di utenti.

È la genesi di una parabola che ha modificato per sempre le nostre abitudini, la sintesi filmica di un nuovo concetto di socialità e l'analisi cinica e sfrontata di come tutto ciò sia nato e si sia potuto espandere.

Solo Aaron Sorkin (Codice d'onore/La guerra di Charlie Wilson) probabilmente il miglior sceneggiatore hollywoodiano attuale, poteva imbastire una trama così sottile e perversamente ironica, alle prese con la difficile impresa di rendere appetibile uno script complesso e potenzialmente poco cinematografico come il romanzo “Miliardari per caso – L'invenzione di Facebook” di Ben Mezrich da cui la pellicola prende spunto.

Il suo miglior pregio è quello di esser stato capace di lasciar fuori il social network ed il fenomeno sociologico derivante, per andare ad indagare il privato dei protagonisti della vicenda (giudiziaria e non) e le loro relazioni interpersonali con un film “verboso”, poggiato su dialoghi memorabili e brillanti, concentrando lo sguardo sulle dinamiche che hanno prodotto la piattaforma sociale che ha sconvolto la rete ed il globo.

Dal suo canto David Fincher si conferma uno dei maggiori registi della sua generazione, dopo l'exploit con Seven, Fight Club, The Game e Zodiac e qualche passo falso come Panic Room o il recente Il curioso caso di Benjamin Button, torna ai livelli che gli competono grazie ad una regia moderna e dinamica, abile a destreggiarsi tra i vari piani temporali della vicenda e non rimanere impelagato nell'uso massiccio di dialoghi che forma la struttura portante della sceneggiatura di Sorkin.Bravo ad adottare il punto di vista di tutte le parti coinvolte senza trappole retoriche e smarcarsi dal legal-drama virando verso una sorta di thrilling sentimentale.

Tra gli attori Jesse Eisenberg (Adventureland/Benvenuti a Zombieland), il nuovo astro nascente degli Studios, qui dà conferma delle sue doti interpretative con un ruolo non facile, tutto giocato sul contenimento e sulle sfumature, così come l'altro golden-boy Andrew Garfield, che interpreta l'amico e co-fondatore Eduardo Saverin e sarà il nuovo protagonista del reboot di Spiderman, anch'esso convincente e perfetto nella parte, quanto il sorprendente Justin Timberlake a suo agio nei panni del dirompente Sean Parker, creatore di Napster e spauracchio dell'industria musicale.

Una menzione particolare anche alla cupa e ammaliante colonna sonora del duo Trent Reznor-Atticu Ross.

Un film dei nostri tempi, che sviscera nelle moderne inclinazioni sociali, che sottolinea una volta per tutte quanto la vita in rete abbia la stessa rilevanza di quella reale, ormai un segno tangibile ed incontrovertibile del nuovo decennio.

VOTO 7,5

Once

2010-11-25T06:46:00.000-08:00

Regia di John Carney

Produzione: Irlanda 2006 Sacher distribuzione

Sceneggiatura: John Carney

Fotografia: Tim Fleming

Scenografie: Tamara Conboy

Montaggio: Paul Mullen

Musiche: Glen Hansard, Marketa Iglova

Genere: Drammatico, Musicale

Con: Glen Hansard, Marketa Iglova

Durata: 90'

A Dublino c’è un ragazzo che si esibisce per le vie del centro con la sua chitarra, di sera quando la gente si dirada, intona le propria ballate d’amore e viene notato da una ragazza straniera che vende rose. Da questa semplice ed apparentemente esile trama, si dipana una storia romantica e leggera tra un musicista di strada ed una pianista dell’est che dura solo l’arco di qualche giorno.
E’ insolita la scelta di un film che parla d’amore scegliendo con tratto minimale e documentaristico di farlo principalmente attraverso la musica, creando una sorta di musical atipico.

John Carney ci regala questo piccolo gioiello cinematografico narrando una vicenda che ha molti tratti autobiografici, e nel quale la colonna sonora diviene anche sceneggiatura, instaurando un legame accattivante ed imprescindibile tra storia e musica, lasciando a quest’ultima spesso la priorità di accompagnare le situazioni più coinvolgenti, riuscendo a caricarle emotivamente ed a descriverle in maniera più incisiva che con le parole.
Le riprese son state fatte con la macchina da presa a mano, con l’uso di luci naturali anche di notte,le inquadrature risultano naturali l’obiettivo con discrezione non aggredisce mai l’intimità che s’instaura tra i protagonisti,quasi a non voler rompere l’incantesimo o disturbare.
Il regista irlandese si avvale della convincente prova attoriale del muscista Glen Hansard, frontman di una band dublinese nella quale militava anche anch’egli: i The Frames, e Marketa Iglova anche lei musicista, entrambi attori non professionisti.
Stupisce ed emoziona questo pellicola costata solo 100.000 euro, in selezione al Sundance Festival,e capace di vincere un Oscar per la migliore canzone originale “Falling slowly”.
Si crea un’alchimia delicata e sincera tra note ed immagini, che inebria e culla lo spettatore consegnando al silenzio tutta la poesia e la malinconia di due solitudini che s’incontrano, si sfiorano e si abbandonano.

VOTO 8

Last Night

2010-11-15T07:20:00.000-08:00

Regia di Massy Tadjedin

Produzione: USA 2010 Gaumont

Sceneggiatura: Massy Tadjedin

Fotografia: Peter Deming

Montaggio: Susan E. Morse

Musiche: Clint Mansell

Genere: Drammatico

Con: Keira Knightley, Eva Mendes, Sam Worthington, Guillame Canet

Durata: 92'

Joanna (Keira Knightley) è una scrittrice in crisi d'ispirazione dopo il suo primo romanzo ed è sposata da quattro anni con Michael (Sam Worthington) che progetta ristrutturazioni di immobili commerciali. La loro è una vita agiata e felice che dividono in un lussuoso appartamento di Manhattan, durante una cena di lavoro Joanna conosce l'avvenente collega di suo marito, Laura (Eva Mendes) i cui sorrisi e sguardi fugaci per Michael non passano inosservati. Una volta rincasati tra i due nasce una discussione animata attenuata solo qualche ora più tardi da una colazione distensiva che sembra placare le incomprensioni alla vigilia di un importante viaggio di lavoro di Michael che lo terrà impegnato per qualche giorno. Il giorno seguente metterà alla prova il loro matrimonio e le loro certezze, Joanna infatti per caso incontra un suo vecchio amore, Alex (Guillame Canet) mentre Michael è alle prese con il fascino avvenente di Laura e le sue avances; ognuno dovrà fare i conti con i propri sentimenti percorrendo delle scelte che potrebbero mettere a repentaglio la loro relazione.

Il film dell'esordiente regista irano-americana Massy Tadjedin - che ha aperto il Festival del cinema di Roma – è un raffinato e tortuoso sguardo sulla tematica classica dell'infedeltà coniugale. E' un film fatto di immagini e silenzi, di tonalità e primi piani che privilegia l'aspetto visivo, forte di un décor elegante a discapito di una sceneggiatura che seppur intrigante manca di impeti e coraggio, accontentandosi delle comodità seducenti dei cliché.

Eppure la messa in scena del mal d'amour contemporaneo è sontuosa, intima ed intrigante.

Mossa su due piani narrativi le vicende ed i tradimenti ci appaiono per ciò che sono, senza giudizi morali o particolari prese di posizione; le situazioni sono costruite lentamente e con dovizia, a volte con eccesso di zelo forse, dilatando e frammentandone il ritmo per privilegiare le atmosfere.

L'utilizzo della macchina da presa della Tadjedin è sinuoso, con una particolare predilizione per i primi e primissimi piani che imprimono una profondità emotiva di gran lunga maggiore che nei dialoghi o nelle sequenze descrittive. La regista sembra accarezzare i suoi personaggi, li accompagna adagio nei loro percorsi e nelle loro scelte cercando di appropriarsi delle sensazioni e le emozioni, del pathos sottile che sciorinano le due vicende, lasciando allo spettatore il compito di giudicarne i comportamenti ed immaginarsi le conseguenze che comporteranno le scelte di una notte.

E' un film introspettivo e sospeso, emotivo più che cerebrale così come lo è ogni tradimento, che va ad indagare tra le pieghe nascoste del desiderio e delle relazioni cercando di narrare un tema classico con piglio e sensibilità contemporanea.

Seducente.

VOTO 7

L'amore non basta

2010-10-25T05:23:00.000-07:00

Regia di Stefano Chiantini

Produzione: ITA 2008 Mediafilm

Sceneggiatura: Stefano Chiantini, Rocco Papaleo

Fotografia: Giulio Pietromarchi

Scenografie:

Montaggio: Cristina Flamini

Musiche: Piernicola Di Muro

Genere: Commedia, Drammatico

Con: Giovanna Mezzogiorno, Alessandro Tiberi, Rocco Papaleo

Durata: 84'

Martina (Giovanna Mezzogiorno) è un’assistente di volo, durante un turno di lavoro s’imbatte in Angelo (Alessandro Tiberi),un ragazzo che ha paura di volare, che lascia un diario d’amore sul suo sedile. Il diario parla della loro storia, perché i due si conoscono, sono dello stesso paese e si amano,e lei si abbandona a quelle parole prima di riconsegnarlo, affrontando tutti i fantasmi e le incertezze di quella relazione così incostante, resa difficile ancor di più dalla “presenza” ingombrante del padre di lui (Rocco Papaleo),e dalle esuberanze del patrigno di lei (Alessandro Haber).

Il film del giovane regista abruzzese Stefano Chiantini, ambientato nella regione natìa racconta una storia d’amore sofferta soffermandosi sulla componente psicologica e sociale, che spesso riesce a compromettere le ambizioni e la sincerità di un sentimento, che come suggerisce il titolo a volte non basta.

E’ un film coraggioso, che ha il merito di cercare una linea originale, dando spessore ai personaggi, raccontandoli fino ad un certo punto per poi lasciare aperti spiragli allo spettatore, che narra con piglio leggero e intimo il continuo cercarsi, sfiorarsi e poi perdersi tra due ragazzi alla prese con le difficoltà e la precarietà delle loro vite.

E’ un film diverso, rispetto le storie d’amore convenzionali raccontante sul grande schermo, e per questo forse meno fruibile, ma più intenso, perché offre un punto di vista introspettivo, ermetico su una vicenda complessa e attuale.

Bravi gli attori, su tutti una splendida Mezzogiorno, che riesce a miscelare la fragilità travestita da sicurezza del suo personaggio, attestandosi anche in queste piccole produzioni, come una delle migliori attrici della scena nazionale e non solo.

Chiantini ci regala una poesia trasposta su pellicola, nell’impervio compito di raccontare per immagini gli stati d’animo che albergano in ognuno di noi, condendo il tutto con simbolismi e romanticherie in bilico tra dramma e commedia, mai banali, senza soffermarsi su un baricentro emozionale, ma dando respiro alla storia concentrandosi sui volti dei personaggi, assunti a veri paesaggi del film.

VOTO 7

Intervista al regista Stefano Chiantini

Stefano partiamo innanzitutto dal tuo percorso umano ed artistico, in che modo ti sei accostato al cinema, come sei riuscito a coltivare questa passione e cosa ti ha spinto ad indirizzarti proprio sulla regia?

La passione per il cinema l’ho avuta da sempre. Quando mi sono trasferito a Roma per studiare – mi sono laureato in lettere e filosofia – ho frequentato dei corsi di sceneggiatura. Le storie che ho scritto in quei corsi hanno suscitato l’interesse degli insegnanti che mi hanno spinto a portarle in giro dai produttori, e così è partito tutto.

Ho scelto di occuparmi della regia perché quello che racconto è molto particolare, nel bene o nel male è molto autoriale, legato al mio modo di vedere le cose, ed è questo un po’ il mio limite ed il mio pregio al tempo stesso. Quello che mi hanno sempre rimproverato, anche nelle scuole di cinema, è di scrivere bene solo ciò che voglio e che mi appartiene, in questo sono molto regista e poco sceneggiatore.

Il pubblico ti ha conosciuto ed apprezzato con il tuo ultimo film L’amore non basta - uscito nelle nostre sale l’aprile scorso - tra i quali figuravano alcuni attori italiani di prim’ordine come Giovanna Mezzogiorno, Rocco Papaleo ed Alessandro Haber, ma non rappresenta il tuo esordio, bensì il tuo terzo lungometraggio. C’è una poetica o una sensibilità che accomuna i tuoi film? E quanto di autobiografico finisce c’è nelle tue storie?

Come ti dicevo prima c’è un modo di vedere le cose che è molto mio. Mi piace la sospensione, in un certo senso la precarietà dello sguardo, il non prendere posizione e questo è presente in tutti i miei lavori. A me poi piace raccontare uno spaccato di vita e non storie che iniziano e finiscono, insomma non m’interessa uno sviluppo drammaturgico lineare causa ed effetto, ma più atmosfere e sensazioni.

Ad esempio quando scelgo un soggetto, o meglio quando un soggetto sceglie me, spesso ad influenzarmi è un’atmosfera, una frase, uno sguardo…da lì poi parto per costruire i personaggi e la storia che ruota attorno ad essi. Difficilmente quindi parto da una storia.

Il film è girato in Abruzzo, il posto in cui sei nato e cresciuto, quanto c’è della tua terra nelle tue opere?

La mia terra m’influenza molto, com’è naturale che sia; la porto sempre con me, la conosco e questo mi aiuta tantissimo. Mi muovo meglio nel mio territorio, un territorio materiale e spirituale, ed è qui che riesco a trovare le mie atmosfere, i personaggi giusti, le verità che cerco. La mia terra mi fa sembrare tutto più reale e concreto e mi allontana dal vuoto e l’effimero che anima un certo tipo di cinema.

Ci racconti qualche aneddoto divertente legato alle riprese del film?

La cosa più divertente è che ogni volta che arrivavo sul set trovavo difficoltà ad entrare all’ingresso, specie quando andavo da solo: nessuno mi prendeva per il regista del film, sai sono molto giovane e quindi spesso mi bloccavano. Una volta una ragazza è venuta a chiedermi come mai tutti gli attori parlavano con me che ero solo una comparsa. Ho dovuto spiegarle che ero il regista ed è stato complicato perché non ci credeva.

Quali sono i film che ami di più ed i registi che apprezzi maggiormente ai quali ti ispiri in un certo senso?

Diciamo che ci sono momenti in cui amo un certo tipo di film ed alcuni registi, non ho preferenze o canoni fissi, piuttosto sono influenzato dagli stati d’animo del momento.

Amo le pellicole che mi emozionano ed a farlo non sono sempre gli stessi film; ad ogni modo attualmente apprezzo molto il cinema di Kaurismaki, di Wong Kar-Wai, di Matteo Garrone ed i fratelli Dardenne.

Tra i miei preferiti da sempre invece posso annoverare Federico Fellini, Tarkowskij, Bunuel, Kusturiça, Antonioni..

A tuo avviso qual è il maggior pregio ed il peggior difetto del cinema italiano?

Il difetto peggiore del cinema italiano è rappresentato dal fatto che tutti vogliono fare tutto, ed ha coinvolto anche me inizialmente, ma ora spero di averlo superato. Il cinema è collaborazione, è partecipazione, e bisogna lasciare spazio a chi ti aiuta; si deve lasciare che sia lo sceneggiatore a scrivere la storia, ed auspicare il ritorno ai mestieri del cinema.

Il pregio invece è che abbiamo una grande scuola pratica e teorica, ossia non ci limitiamo ad essere dei tecnici ma c’è anche un approccio teorico che secondo me è necessario.

Come sarà il tuo prossimo lavoro e di cosa parlerà?

Il mio prossimo film vedremo, intanto lo sto scrivendo assieme a Massimo Gaudioso, che ha sceneggiato Gomorra ed altri film, e Giovanni Miniati, un giovane molto bravo e promettente.

Infine una curiosità personale, ma che è di tanti, leggendo sulle dinamiche che hanno portato alla scelta finale del titolo abbastanza particolari e legate soprattutto ad esigenze distributive, volevo sapere da te se avessi potuto scegliere liberamente un altro titolo, quale sarebbe stato?

Riguardo alla tua curiosità posso dirti che a me piaceva molto Lo stato delle cose ma è un film di Wim Wenders, altrimenti lo avrei voluto chiamare semplicemente Io e te.

Watchmen

2010-10-21T07:21:00.000-07:00

Regia di Zack Snyder

Produzione: USA 2009 Universal Pictures

Sceneggiatura: David Hayter, Alex tse

Fotografia: Larry Fong

Montaggio: William Hoy

Scenografie: Alex McDowell

Musiche: Tyler Bates

Genere: Drammatico

Con: Matthew Good, Jackie Earle Haley, Carla Gugino, Billy Crudup

Malin Akerman, Jeffrey Dean Morgan, Patrick Wilson

Durata: 163'

Ottobre 1985. Nixon è stato eletto per la terza volta presidente degli Stati Uniti grazie alla vittoria conseguita nella guerra in Vietnam e sul mondo incombe la minaccia di una guerra nucleare con L’Urss.
L’orologio dell’apocalisse segna cinque minuti a mezzanotte, quando si diffonde la notizia che qualcuno ha ucciso un vecchio supereroe in pensione, il Comico, appartenente alle cosiddette ‘Maschere’ ormai da anni fuorilegge, considerati dei Vigilantes. L’ex guardiano mascherato Rorschach è determinato a svelare un complotto che ritiene sia mirato ad uccidere e screditare tutti i supereroi passati e presenti.
Dopo aver con difficoltà radunato la legione di suoi ex colleghi combattenti contro il crimine: Gufo Notturno, Spettro di seta, Ozymandias e Dottor Manhattan (l’unico ad avere poteri reali), scopre un’ampia ed inquietante cospirazione che ha legami con il loro comune passato, ma soprattutto potrebbe produrre catastrofiche conseguenze nel futuro.
La missione è vegliare sull’umanità, ma chi veglierà sui Watchmen?

Prima di parlare del film è doveroso e quanto meno opportuno considerare la graphic novel Watchmen da cui è tratta, la più celebre ed acclamata di tutti i tempi, che sta al fumetto come la bibbia sta al libro, opera del genio visionario di Alan Moore (disegnata da Dave Gibbons), che considerava “infilmabile” e come nelle precedenti trasposizioni cinematografiche delle sue opere (V per Vendetta, From Hell, La lega degli straordinari gentleman) ha chiesto di non comparire nei crediti e lasciato la sua parte di guadagni a Gibbons.
Ad oggi l’unico fumetto ad aver vinto un Premio Hugo e ad essere inserito nella lista del Time Magazine tra i migliori “100 romanzi in lingua inglese dal 1923 ad oggi” e che ha portato il genere ai massimi livelli espressivi, opera ambiziosa e complessa ed impossibile da analizzare in poche righe.

Di fronte ad un’impresa considerata dallo stesso autore impossibile, che ha avuto una genesi lunga vent’anni, passata e poi sfuggita tra le mani di grandi registi quali Terry Gilliam, Paul Greengrass e Darren Aronofsky, fino ad approdare al talentuoso Zack Snyder, il lavoro si considerava arduo ed impervio sin da subito.
Il regista americano, celebrato nel precedente lavoro 300 , anch’esso tratto da una graphic novel di culto, sembra quasi incerto nel prendersi la responsabilità di trarre ispirazione dal fumetto oppure rimanervi fedele. Optando per una sostanziale fedeltà all’originale, quantomeno nell’immaginario e nelle atmosfere, e venendo meno invece per quanto riguarda la natura dell’opera che nulla aveva di spettacolare, esasperando le scene di azione pur di pagare tributo alla cinematograficità della narrazione, cambiando e dilatando decisamente il finale, poco in linea con la soluzione adottata nella graphic-novel, ma recuperato nella director's cut.

Ciononostante il contributo visivo ed estetico è straordinario, che appaga le atmosfere cupe e violente tipiche di Moore, e che ai più forse risulterà indigesta, in un mondo profondamente immerso nella paranoia imperante degli anni 80, in bilico tra i timori di una guerra nucleare imposti dalla Guerra Fredda ed un mondo i cui eroi sono senza poteri, discriminati ed imperfetti, de-costruendo l’archetipo del supereroe classico; alcune scene sono memorabili grazie ad una colonna sonora azzeccata che esalta i frangenti più coinvolgenti.
Certo è che un pubblico abituato alle magnificenze e spettacolari imprese dei supereroi più celebri del grande schermo, tutto ciò apparirà incomprensibile e distante (specie ai più giovani) compresa la durata sostanziosa della pellicola, il cinismo e lo storicismo di cui è permeata, e la difficile comprensione dovuto all’ampio uso di simboli, dialoghi con diversi livelli d’interpretazione, ucronia, meta-narrazione e l’imponente comparto di temi trattati e riferimenti storici e politici.
In definitiva ne vien fuori un lavoro coraggioso i cui meriti ne costituiscono paradossalmente anche i suoi limiti, a cui manca il guizzo geniale per renderlo un capolavoro ma che ha le caratteristiche proprie di un ottimo prodotto cinematografico, un blockbuster ma d’essai. Impavido

VOTO 7,5

A single man

2010-10-19T07:33:00.000-07:00

Regia di Tom Ford

Produzione: USA 2009 Archibald film

Sceneggiatura: Tom Ford

Fotografia: Eduard Grau

Scenografie: Dan Bishop

Musiche: Abel Korzeniowski

Genere: Drammatico

Con: Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult

Durata: 101

Los Angeles, 1962. Gli Stati Uniti sono sull'orlo di una crisi nucleare con Cuba ma tutto ciò non sembra turbare minimamente George Falconer (Colin Firth), impeccabile docente universitario che ogni mattino combatte la sua sofferenza per la scomparsa dell'amato compagno Jim, mascherando il suo mal de vivre sotto una patina di abiti firmati, compostezza e buone maniere. Ma il dolore lacerante riaffiora nei momenti più impensabili, attraverso lo scatenarsi di reminescenze emozionali innescate da dettagli apparentemente insignificanti. Per George ogni giorno è una lotta, il suo rapporto con la società è ridotto ai minimi e sembra incapace di proseguire la sua vita, meditando il suicidio. Proveranno a trattenerlo dall'orlo dell'abisso Charley (Julianne Moore) una vecchia amica cinica e disillusa ed un suo giovane studente, Kenny (Nicholas Hoult) che s'invaghisce di lui.

Il celebre stilista Tom Ford esordisce dietro la macchina da presa con un film di difficile impostazione cinematografica trasponendo il bellissimo romanzo di Christoper Isherwood “Un uomo solo”, una scelta impervia per un esordiente che proviene perdipiù da tutt'altro mondo ma riesce a stupire tutti, critici e scettici compresi, convincendo e commuovendo alla 66esima mostra internazionale del cinema di Venezia dove il film è stato presentato in concorso.

L'ultimo giorno di un uomo sopraffatto e sconfitto dal suo dolore è narrato con una precisione ed un controllo delle inquadrature impeccabili, degne di un veterano, impreziosite dalla perfezione formale del suo decòr, ma se la cura per i dettagli è preventivabile in quanto rappresenta il suo marchio di fabbrica, ciò che sorprende è la capacita di Ford di incastrare tutti gli elementi cinematografici, costruendo un ingranaggio scenico e filmico sublime, in cui le musiche di Korzeniowski e Umebayashi (In the mood for love) fluttuano sulla fotografia calda e glamour di Eduard Grau regalando attimi d'intesità narrativa e scenica totali ed appaganti. La materia emotiva è sontuosamente interiorizzata da Colin Firth, vincitore meritatamente della Coppa Volpi come miglior interprete, che restituisce lavorando in sottrazione e con sobrietà la profondità di un ruolo complesso, riuscendo ad essere autentico ed intimo evitando di scivolare nel sentimentalismo e nel manierismo.

Dietro la rarefatta eleganza formale del film palpita un cuore cinefilo sensibile e passionale, in cui la sostanza dolorosa della perdita viene assorbita dalla magnificenza dello splendore estetico amalgamandosi con la vacuità della vita. Emozioni sottaciute che quando prendono il volo si librano leggere, fino alle lacrime. Cinema allo stato puro.

VOTO 8

Adventureland

2010-10-13T08:16:00.000-07:00

Regia di Greg Mottola

Titolo originale: Adventureland

Produzione: USA 2009 Walt Disney

Sceneggiatura: Greg Mottola

Fotografia: Terry Stacey

Scenografie: Stephen Beatrice

Musiche: Yo la Tengo

Genere: Commedia

Interpreti: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Martin Starr, Bill Hader, Ryan Reynolds

Data di uscita: 10/07/2009

Durata: 107’

Esce in piena stagione estiva, solitamente avara di pellicole interessanti, il nuovo film del promettente Greg Mottola, che con la sua opera prima Suxbad – Tre menti sopra il pelo aveva sbancato il botteghino americano ottenendo un discreto successo anche dalle nostre parti. Certo è che la Disney non deve aver creduto molto nella pellicola, che paga la scarsa visibilità del misero afflusso estivo verso le sale, nonostante si dimostri un piccolo romanzo di formazione romantico davvero delizioso.

Brennan (Jesse Eisenberg) è il tipico nerd americano, fresco di diploma si trova costretto a causa delle ristrettezze finanziarie familiari ad abbandonare i sogni di gloria di un estate di bagordi in Europa, ed a lavorare presso un Luna Park fatiscente e sfigato di Pittsburg, (l’Adventurland del titolo) per poter mettere da parte un po’ di risparmi per il college. Qui avrà modo di conoscere l’affascinante ed incasinata Em (Kristen Stewart) anche lei addetta ai giochi del parco, il musicista tuttofare Connell (Ryan Reynolds) e l’esuberante titolare del parco Bobby (Bill Hader) che gli regaleranno un’estate intensa difficile da dimenticare.

Attingendo di nuovo dalla sua storia personale, Mottola (che lavorò davvero nell’87 in un piccolo parco di Pittsburg chiamato Adventureland) scrive e dirige con sentimento e delicatezza un piccolo compendio di commedia romantica immerso nell’atmosfera reganiana, limitandosi a raccontare con arguzia e leggerezza il classico percorso di formazione del passaggio dalla giovinezza all’età adulta che il cinema ha ampiamente saccheggiato, forte però di uno script dai dialoghi ironici e taglienti, impreziosito da un cast giovane e talentuoso sui quali spiccano lo stralunato Eisenberg (già visto ne piccolo film indipendente Il calamaro e la balena), la star di Twilight, Kristen Stewart ed il sempre bravo, seppur sottovalutato, Ryan Reynolds; noto ai più forse maggiormente come marito della splendida Scarlett Johansson che per le sue doti recitative.

Nonostante tutta la pellicola sia costantemente pervasa dalla tipica sensazione di già visto, ha il pregio della sensibilità e della tenerezza malinconica dello sguardo disincantato, buonista ma mai retorico, dal sapore nostalgico delle vecchie commedie adolescenziali old-style, intriso di una colonna sonora composta di Hit dell’epoca che ben richiamano il sentimento crepuscolare e divertente dello Smell Like Teen Spirit che tutti rimpiangiamo.

Una piccola oasi rinfrescante nell’arido deserto estivo cinematografico.

VOTO 7,5

Inception

2010-10-10T12:01:00.000-07:00

Regia di Christoper Nolan

Produzione: USA 2010 Warner Bros

Sceneggiatura: Christoper Nolan

Fotografia: Wally Pfister

Scenografie: Guy Hendrix Dyas

Musiche: Hans Zimmer

Genere: Drammatico, Azione

Con: Leonardo Di Caprio, Ken Watanabe, Marion Cotillard

Durata: 148’

Dom Cobb (Leonardo Di Caprio) è un abile ladro nell'arte dell'estrazione di informazioni dal profondo subconscio durante l'attività dello stato onirico, quando la mente è maggiormente vulnerabile. La sua figura è alquanto ricercata nell'ambito dello spionaggio industriale internazionale, ma ciò ha comportato anche la perdita della sua famiglia e di ciò che ha amato. Proprio per cercare di riconquistare i suoi figli accetterà la missione propostagli dall'industriale giapponese Saito (Ken Watanabe) e tenterà un'impresa improba, l'inception del titolo ossia il tentativo non di rubare informazioni bensì di innestare un'idea all'interno della mente di Robert Francis Jr. (Cillian Murphy), figlio ereditario di un colosso finanziario con lo scopo di frammentarne la società. Ma dovrà fare i conti con il suo passato sepolto nel suo inconscio, rappresentato dalla moglie Mal (Marion Cotillard).

Dopo i fasti della sua ultima pellicola, Batman - Il cavaliere oscuro il regista di culto Christopher Nolan (Memento/The Prestige) riesce a dar corpo al suo progetto più ambizioso e personale, su cui era a lavoro da dieci anni. Doveva essere un piccolo progetto ma l'hype che gira intorno alla sua figura di regista “atipico” che riesce a far coincidere film d'autore con gli incassi ai botteghini, ha fatto sì che le major lo coccolassero e gli dessero ampia libertà, un cast sontuoso ed un budget stratosferico per costruire il suo complesso puzzle visionario.

Il regista americano qui è alla sua prima prova senza l'ausilio del fratello Jonah alla sceneggiatura, un lavoro concepito e realizzato a cerchi concentrici, volutamente artificioso e sovradimensionato che mette a dura prova lo spettatore, soprattutto quello non abituato alle tortuosità degli script di Nolan. Una volta immersi però nel mondo e le atmosfere tipiche del suo registro stilistico tutto diviene apparentemente più nitido, salvo ritrovarsi nuovamente storditi dinanzi al solito gioco di specchi creato ad arte dalla penna del regista che non fa nulla per mitigare il senso di smarrimento che s'impadronisce di coloro che osservano lo svolgersi della narrazione tesa a disorientare negli intenti dell'autore che sulla perdita d'orientamento del pubblico ha costruito il suo cinema e da qui deriva tutto il suo fascino.

Fin qui nulla da eccepire, un articolato lavoro di sceneggiatura che s'innesta però sul tentativo dichiarato di combinare il cosidetto genere heist movie (film di rapina) con la sci-fi di matrice onirica, ed è qui che sorgono alcune perplessità. Tutta l'articolazione narrativa così affascinante ed elegantemente trasmessa si piega di fronte alle scene d'azione che finiscono per prendere il sopravvento nel plot narrativo esautorando tutto il lavoro certosino svolto in precedenza. Da non sottovalutare le simbologie nascoste nel film a partire dai nomi dei personaggi che rievocano personaggi mitologici o biblici (il nome del protagonista Cob sta per Giacobbe, Arianna che ha il ruolo dell'architetto è presa dalla “mitica” figlia di Teseo, quella del celebre filo per intenderci, e così via).

Il merito di Nolan è di aver costruito un mondo onirico, senza tuttavia abbandonarsi dalla materia instabile e sfuggente propria dei sogni, bensì scegliendo di imporre al subconscio una vera e propria grammatica, con le sue regole e le sue leggi, rendendo il tutto coerente ma soprattutto filmabile, dando una forma ed una logica ad un universo astratto ed illogico per natura. Nonostante quasi tutta la vicenda sia ambientata all'interno di un mondo onirico infatti non si ha la sensazione di sentirsi all'interno di posti creati dalla mente.

Vi è sottotraccia anche il parallelismo con il processo creativo cinematografico, che si compone con la stessa sostanza del lavoro onirico, ma ciò che più conta in questo intricato labirinto mentale è il controllo con il quale Nolan gestisce l'intera impalcatura narrativa ricostruita perfettamente con il suo gioco d'incastri che si rivela però così perfettamente congegnata quanto fredda e priva di quel palpito emotivo che pur ci si aspetta dalle sue pellicole. Qui lo scarto è più evidente che altrove ed il film ne risente, come a dire troppa cerebralità e poco cuore.

Dettagli che sembrano pagliuzze ininfluenti negli occhi del grande pubblico ma travi evidenti per i suoi fan più accaniti.

VOTO 7

Rachel sta per sposarsi

2010-10-08T09:57:00.000-07:00

Regia di Jonathan Demme

Titolo originale: Rachel get married

Produzione: USA 2008 Sony Pictures

Sceneggiatura: Jenny Lumet

Fotografia: Declan Quinn

Musiche: Donald Harrison Jr.

Genere: Drammatico

Con: Anne Hataway, Rosemarie Dewitt, Bill Irwin, Debra Winger, Tunde Adebimpe

Data di uscita: 28/04/2009

Durata: 108’

Kym (Anne Hataway) in occasione del matrimonio della sorella Rachel (Rosemarie Dewitt) con il musicista di colore Sydney (Tunde Adebimpe) esce dal centro di riabilitazione in cui per l’ennesima volta è relegata per disintossicarsi dalle droghe. In un clima di festa ed intimità la famiglia si troverà di nuovo ad affrontare i fantasmi del passato che l’hanno lacerata, con al centro Kym come capro espiatorio.

Il regista newyorkese JonathanDemme, premio oscar nel 1992 con Il silenzio degli innocenti, dopo gli ultimi anni passati in giro per il mondo a girare i suoi toccanti documentari, torna al lungometraggio grazie alla sceneggiatura della esordiente Jenny Lumet, figlia del celebre regista Sydney. Il taglio documentaristico permane in questa pellicola che si affida perlopiù al digitale citando la lezione dogmaniana di Von Trier, ed omaggiando in particolare il cinema corale di Robert Altman e Roger Corman, ringraziati anche nei titoli di coda.

Quello che stupisce ed appassiona e la naturalezza degli interpreti e la fluidità della narrazione che stabilisce sin da subito un contatto intimo ed empatico con lo spettatore che si trova coinvolto in prima persona nelle vicende sciorinate, come uno qualsiasi degli invitati al matrimonio. Per riuscire ad ottenere questo effetto e rendere il tutto realistico e credibile, Demme gira nella sua casa con i suoi veri amici e con autentici musicisti, senza una vera sceneggiatura e totale libertà d’ispirazione per le musiche che accompagnano con le loro note diegetiche i dialoghi e le inquadrature composte al momento sul posto, senza una successiva post-produzione per quanto concerne la colonna sonora. Gli attori si muovono con scioltezza e disinvoltura naturale in questo contesto, che diventa un toccante teatro filmato costruito in progressione, senza punti di riferimento per le inquadrature, in quanto il regista volutamente sceglie diverse telecamere che circondano gli interpreti amalgamandosi con discrezione, restituendo all’occhio dello spettatore il calore (non solo visivo) prodotto da tale vicinanza.

In questo clima artistico gli attori svolgono egregiamente il loro ruolo con interpretazioni davvero notevoli, superbe a tal proposito le prove della Dewitt e Irwin, ossia la Rachel del titolo ed il padre, mentre una citazione a parte merita la strepitosa Hateway, che qui dimostra tutto il suo talento in un ruolo intenso e drammatico, meritandosi la candidatura agli oscar.

E’ un film passato ingiustamente sottotono nelle sale italiane da recuperare assolutamente, capace di emozionare facendo vibrare la fibre più intime, senza barare o forzature tipiche di tante pellicole hollywoodiane che saggiamente distribuisce ironia e drammaticità, poggiato su di una sceneggiatura di livello nonostante opera prima della giovane Lumet ed impreziosito da una splendida cornice filmica quasi artigianale degna di un piccolo capolavoro. Sublime.

VOTO 8

Two lovers

2010-10-05T10:16:00.000-07:00

Regia di James Gray

Produzione: USA 2008 Bim

Sceneggiatura: James Gray, Ric Menello

Fotografia: Joaquin Basa-Asay

Genere: Drammatico

Con: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Moni Moshonov

Data di uscita: 27/03/2009

Durata: 100

Dopo la trilogia malavitosa iniziata con Little Odessa, proseguita poi con The Yard e i Padroni della notte presentato a Cannes nel 2007 Julian Gray spiazza tutti e si cimenta con il genere sentimentale, progetto alquanto impervio e complicato dimostrando tutte la sua duttilità cinematografica nonché il suo tangibile talento.

In Two Lovers il regista e sceneggiatore americano torna nei luoghi a lui cari, e precisamente Brighton Beach nei pressi di Brooklyn a New York avvalendosi ancora una volta del suo attore feticcio Joaquin Phoenix, fratello del compianto River, per narrare la delicata storia di Leonard (Joaquin Phoenix), che torna a vivere con i suoi genitori dopo un fallimento amoroso ed un tentato suicidio. Una volta tornato nel luogo natio ed in cura antidepressiva, incontra due donne molto diverse tra loro: Sandra (Vinessa Shaw), figlia di un uomo d’affari ed amico di famiglia intenzionato a rilevare l’attività del padre, e Michelle (Gwyneth Paltrow), tormentata ed affascinante vicina di casa, amante di un facoltoso avvocato.

Con lirico rigore Gray racconta i drammi sentimentali dell’uomo moderno traendo ispirazione da un racconto di Dostoevskij Le notti bianche, affidando le sorti della narrazione ad un punto di vista intimo, notturno e reale, scandagliando il mal de vivre di un uomo ferito che torna ad innamorarsi e lentamente alla vita, prima di lasciarsene nuovamente sopraffare. Per una volta l’amore non è oggetto di commedia sentimentale a lieto fine, ma ha il sapore amaro della resa, della delusione e delle lacrime senza patetismi retorici o urlati delle tragedie. Lo sguardo della cinepresa è garbato, sommesso quasi celato, scegliendo le atmosfere notturne e anonime, per narrare tutte le contraddizioni sentimentali e le sue imprevedibili pieghe con il tocco disarmante della leggerezza riuscendo ad orchestrare il gioco intimista delle parti, con uno stile che evita i cliché insinuando la disperata quietezza della vita capace di riverberare malinconie e illusioni, degni di un poema visivo che si evidenzia per finezza, penetrazione emotiva ed intensità, grazie anche all’ennesima superlativa prova di Phoenix ed una convincente e seducente Paltrow. Un dramma amoroso contemporaneo, minimalista e sofferto e per questo un film raro ed imponente nella sua semplicità.

VOTO 7,5

Fratelli in erba

2010-09-27T08:02:00.000-07:00

Regia di Tim Blake Nelson

Produzione: USA 2010 Eagles Pictures

Sceneggiatura: Tim Blake Nelson

Fotografia: Roberto Schaefer

Scenografie: Maria Nay

Musiche: Jeff Danna

Genere: Drammatico

Con: Edward Norton, Tim Blake Nelson, Susan Sarandon

Durata: 105’

Bill e Brady sono due gemelli identici nell'aspetto ma quanto più possibile diversi nella sostanza. Entrambi educati da una madre sessantottina e orfani di padre, affrontano la vita con due diverse concezioni e stili di vita. Brady rimane con la madre in Oklahoma, diventando un coltivatore di marijuana, mentre Bill intraprende la carriera universitaria come brillante professore di filosofia classica, obliando nel cassetto dei ricordi e senza troppi rimorsi la propria famiglia. Quando Bill riceverà la notizia della morte del fratello si troverà costretto a tornare a Little Dixie, il paese natìo dove dovrà confrontarsi con il proprio passato ed i suoi cari.

Tutto fa presagire ad una classica commedia degli equivoci, a partire dal titolo storpiatamente tradotto dall'originale Leaves of grass che sta sì per “foglie d'erba” ma allude al titolo di una raccolta di Walt Whitman, e proseguendo con il doppio ruolo in cui Edward Norton si cimenta, topos classico di tanto cinema che farebbe pensare ad una serie infinta di gag e situazioni paradossali, ed in un certo senso è così ma il film di Tim Blake Nelson mira più in alto. Infatti se la prima parte sembra confermare le impressioni iniziali, nel proseguio il tono da commedia si sporca sorprendentemente di noir di matrice tarantiniana e dalle atmosfere tipicamente coheniane.

Uno dei pregi di questa pellicola oltre al ritmo sincopato che coinvolge lo spettatore è rappresentato dall'ottimo cast in cui figurano la sempreverde Susan Sarandon nel ruolo della madre ex sessantottina, l'affascinante Keri Russel nei panni di una poetessa e l'irresistibile Richard Dreyfuss, lui che è ebreo sul serio, si diverte nella parte di un ebreo stereotipato. Lo stesso regista si ritaglia un ruolo interessante, interpretando Bolger uno dei migliori amici del fratello coltivatore.

La ricerca dell'equilibrio è la chiave di lettura dell'intera pellicola - tra Socrate e Whitman, tra caos e spontaneità, commedia e tragedia e la perenne ricerca della condizione di pace interiore e la sua natura illusoria - dando modo al regista di giocare con le aspettative degli spettatori mirando a spiazzarli innestando una serie di colpi di scena memorabili, farciti con dialoghi che spaziano dalla filosofia, alle droghe, alla poesia fino al non-sense.

Un piccolo film ambizioso che deve forse fin troppo alla sottile ironia ebraica di cui i fratelli Cohen sono i maggiori esponenti ma che riesce a ricavarsi uno scorcio di originalità fresca e ben costruita che non soffoca la pellicola evitando di farla cadere nel facile clichè del genere.

VOTO 6,5

La solitudine dei numeri primi

2010-09-22T06:18:00.000-07:00

Regia di Saverio Costanzo

Produzione: ITA 2010 Medusa

Sceneggiatura: Saverio Costanzo, Paolo Giordano

Fotografia: Fabio Cianchetti

Scenografie: Antonello Geleng

Musiche: Mike Patton

Genere: Drammatico

Con: Alba Rohrwacher, Luca Marinelli, Isabella Rossellini

Durata: 118’

Alice e Mattia, due coetanei le cui esperienze tragiche vissute nell'infanzia producono un trauma che non li abbandonerà mai, influenzando in modo pesante e permanente le loro vite. Potrebbero amarsi, si sfiorano e si separano. Non consentono a se stessi di ritrovarsi ed insieme concedersi ciò che si sono sempre vietati ed inflitti. Come due numeri primi sono divisibili solo per uno o per se stessi e quindi destinati alla solitudine.

Saverio Costanzo (Private / In memoria di me) porta in concorso a Venezia l'attesa trasposizione cinematografica del celebre romanzo d'esordio di Paolo Giordano (che partecipa alla sceneggiatura) - caso letterario del 2008 con più di un milione di copie vendute, nonché premio Strega e Campiello - ma sin da subito se ne discosta dalle atmosfere e nella materia portante, destrutturandolo a partire dalla linearità narrativa che si alterna con continui salti temporali incentrati su tre periodi fondamentali delle vite grevi di Alice e Mattia.

La cifra stilistica adottata da Costanzo è netta e coraggiosa, una vicenda sentimentale tinteggiata di horror che s'innesta sin dalle prime battute - evidenziata da una colonna sonora curata da Mike Patton e sottolineata con una grafica ridondante - che sembra alludere a certe tensioni tipiche dei film di Dario Argento. Lo sguardo del regista si concentra sui corpi, deturpati e feriti, che mutano e e si plasmano in base al loro dolore, assurgendoli a veri protagonisti della vicenda, interpretati da una stupefacente Alba Rohrwacher e la sorpresa Luca Marinelli che imprimono sui loro corpi le fatiche di esigenze di copione estreme, donando veridicità assoluta ai loro personaggi.

Appare inevitabile che un autore così perentorio, con uno stile aspro e antinaturalistico che bandisce ogni sfumatura renda la pellicola estrema, cozzando con la materia scottante della popolarità del romanzo e ne risulti indebolita. Dall'altro canto le soluzioni adottate dal regista romano risultano affascinanti e farcite con dosi massicce di pathos e suspance che imprimono alla pellicola un sapore evocativo barocco e attraente, ma tutto rimane soffocato e imprigionato nella ricerca autoriale ed originale quasi ossessiva, finendo per implodere in se stesso.

Data la sua scelta di campo perentoria e precisa che deve far i conti con il peso specifico di una vicenda letteraria tanto amata, il film è destinato a dividere. L'abilità registica di Costanzo è palpabile e non ne esce intaccata, con angolazioni atipiche su tonalità cupe, impreziosite da stacchi netti e commenti sonori magistrali, ma viene sommersa dalla complessità psicologica del romanzo e dalla sua carica emotiva che si disperde lungo il racconto cinematografico discostandosene inesorabilmente.

VOTO 6

The Box

2010-09-03T11:03:00.000-07:00

Regia di Richard Kelly

Produzione: USA 2009 Lucky Red

Sceneggiatura: Richard Kelly

Fotografia: Steven Poster

Scenografie: Alexander Hammond

Musiche: Owen Pallett

Genere: Thriller

Con: Cameron Diaz, James Mardsen, Frak Langella

Durata: 115’

USA, Virginia 1976. I coniugi Lewis si trovano in difficoltà economiche ma hanno la possibilità di ovviare ai loro problemi grazie ad una strana scatola consegnata il giorno prima da uno sconosciuto con il volto sfigurato, il signor Edwards. Lo strano individuo offre alla coppia un milione di dollari nel caso in cui nel giro di ventiquattro ore decidessero di premere il pulsante posto sulla scatola, conseguentemente però una persona a loro sconosciuta, nel mondo, morirà. In caso contrario, avrebbero solamente 100 dollari come rimborso per il disturbo recato, e la scatola verrebbe riprogrammata e proposta altrove.

Il talentuoso Richard Kelly, autore del film cult degli anni zero Donnie Darko, dopo l'ambizioso e deludente Southland Tales, flop al botteghino ed uscito solo in dvd da noi, ci riprova adattando per il grande schermo un racconto breve del geniale autore e sceneggiatore Richard Mateson, autore di quel Io sono leggenda trasposto al cinema qualche anno fa con protagonista Will Smith. Lo stesso script dell'autore è stato proposto negli anni 80 per il piccolo schermo nella famosa serie Ai confini della realtà. Kelly cerca di far sue le atmsofere paranoiche e claustrofobiche tipiche di Matheson - acuto e cinico indagatore dei limiti della morale e avidità umana- ma con scarsi risultati. L'impianto narrativo regge solo nella prima parte della pellicola, per poi perdere completamente il controllo successivamente ed impantanarsi infine in un pasticcio incomprensibile e patetico collocandosi a metà tra cinema di genere e film d'autore.

La qualità delle inquadrature è indiscutibile, ottime le scenografie e l'inquietante colonna sonora. A mancare qui non è certo l'impalcatura tecnica ma l'omogeneità narrativa che, noncurante della consequenzialità e logicità della storia, snatura e stravolge completamente l'intento dell'opera originale di Matheson, sfociando in grottesche scimmiottature alla Lynch, brancolando e barcollando in un accumulo di situazioni e stereotipi da fantascienza retrò, infarcendoli con discorsi filosofici sul libero arbitrio ed etica, tirando in causa persino Arthur C. Clarke e Jean Paul Sartre. Non aiutano e convincono oltremodo le interpretazioni degli impalpabili Cameron Diaz e James Marsden, e tocca al solito Frank Langella reggere la baracca recitativa.

Il plot narrativo viene risucchiato nella spirale della confusione e della noia, sprecando quanto di buono l'incipit aveva creato, con un occhio rivolto a certi film horror di culto anni 70. D'altronde la materia trattata si è rivelata nuovamente troppo ambiziosa e ricca di elementi, sfuggendo completamente al controllo del giovane regista americano che cerca di impreziosire con un lezioso egocentrismo autoriale che alla lunga stanca ed irrita. Ulteriore banco di prova mancato per uno dei più promettenti enfant prodige del nuovo cinema americano.

VOTO 5 Inconcludente

The Road

2010-06-24T14:25:00.001-07:00

Regia di John Hilcoat

Produzione: USA 2009 Videa

Sceneggiatura: Joe Penhall

Fotografia: Javier Aguirresarobe

Scenografie: Robert Greenfield

Musiche: Nick Cave, Warren Ellis

Genere: Drammatico

Con: Viggo Mortensen, Kodi Smith-McPhee, Charlize Theron

Durata: 111’

La struggente storia di un padre e del proprio figlio costretti a sopravvivere in un mondo retrocesso ad uno stato primordiale post-apocalittico ed un'umanità che deve fare i conti con le conseguenze della propria feroce natura, sono alla base del bellissimo romanzo dello scrittore statunitense Cormac McCarthy, vincitore del premio Pulitzer nel 2007 e la cui trasposizione sul grande schermo è stata affidata al talentuoso outsider John Hilcoat (The Proposition) che ne dirige un adattamento fedele e crudele aderendo alle atmosfere gelide ed aspre presenti nell'universo letterario di McCarthy.

Di fronte alla compattezza narrativa e lo stile asciutto del romanzo, il regista australiano sceglie saggiamente di eclissarsi mettendosi al servizio della storia, sorretta come un titano mitologico dall'interpretazione eccelsa di Viggo Mortensen, mai così bravo, mai così intenso, qui alla sua prova migliore. Ambientazioni desolate e suggestive carrellate sui cupi scenari di un mondo che muore lentamente, fanno da cornice ai sofferti tentativi di un padre di proteggere il figlio da una vita che non ha più un futuro da offrire. Unica concessione di dolcezza è riservato al ricordo, negli inserti onirici memori di un passato recente che sferza più che alleviare.

E' un film cupo e intenso, che fa male, come ogni cosa sublime che squarcia le resistenze della nostra integrità e ci mette a nudo. Dopo essere stato accolto lo scorso anno alla Mostra del cinema di Venezia è stato a lungo tenuto lontano dai nostri schermi perché ritenuto dai produttori una pellicola troppo triste.

L'unica tristezza è che in un'Italia di cinepanettoni e moccianate le perle siano ricacciate nell'oceano e che continuino a brillare sottotraccia solo per i pochi che si immergono a scovarle, l'unica consolazione è che nell'imbarbarimento culturale di questa epoca, cinema compreso, la loro luce ci ricorda che c'è ancora una bellezza a questo mondo. Purché rara e purché celata. Forse l'unica maniera di possibile.

VOTO 8

ADAM

2010-06-04T08:17:00.000-07:00

Regia di Max Mayer

Produzione: USA 2009 20^th Century Fox

Sceneggiatura: Max Mayer

Fotografia: Seamus Tierney

Scenografie: Tamar Gadish

Musiche: Christopher Lennertz

Genere: Sentimentale

Con: Rose Byrne, Hugh Dancy, Peter Gallagher

Durata: 99’

Adam (Hugh Dancy) è un giovane affetto dalla sindrome di Asperger, una forma lieve di autismo, vive solo dopo la morte del padre, ha un lavoro (sebbene sia al di sotto delle proprie capacità) e nessun impedimento fisico. Apparentemente normale, le sue difficoltà son dovute alla mancanza di empatia con le persone, non riconosce ironia e metafore in un dialogo e ciò lo tende ad isolarsi perché non riesce a stabilire relazioni sociali con gli altri, se non quando parla della sua passione: l' astronomia.

La sua solitudine viene interrotta dall'arrivo di una nuova vicina di casa, Beth (Rose Byrne) una deliziosa e sensibile scrittrice di libri per bambini. Le due solitudini ed i due mondi così distanti si avvicinano con titubanza e speranza, fino ad instaurare una difficile quanto improbabile relazione.

Scritto e diretto da Max Mayer, vincitore del premio Sloan al Sundance Festival del 2009 è anch'esso affetto dalla sindrome di Asperger, un male atipico perché singolarità presente nelle persone dotate di grande intelligenza, nel passato infatti pare ne soffrissero Michelangelo, Mozart ed Einstein tra gli altri.

Il suo film si mantiene su toni formali e mai compiaciuti, funzionale alla narrazione senza sbavature o eccedenze stilistiche. Tuttavia lo script sembra prendersi troppo sul serio, edulcorato e standardizzato, privo di mordente negli snodi narrativi che sembrano scivolare via con troppa disinvoltura disperdendo il pathos costruito con arguzia e bravura in precedenza, puntando maggiormente sull'attività divulgativa della malattia che sulla vicenda.

L'inizio è intimo e molto ben curato, ma sembra promettere più di quel che può mantenere, si regge sull'interpretazione dei bravissimi Hugh Dancy e Rose Byrne (vincitrice di una coppa Volpi a Venezia qualche anno fa) bravi nel tratteggiare dei personaggi fragili alle prese con situazioni delicate ed imprevedibili.

Benché il film soffra di una sorta di eccessivo realismo fiabesco piuttosto preconfezionato mantiene in ogni caso un certo pregio nel mostrare con delicatezza la parabola di un ragazzo alle prese con un'intimità sconosciuta che cerca di entrare nei gangli della vita, che tra scoperte e dolori ineluttabili si dipana verso un finale per nulla scontato.

VOTO 6

Fantastic mister Fox

2010-05-15T07:50:00.000-07:00

Regia di Wes Anderson

Produzione: USA Gran Bretagna 2009

Sceneggiatura: Wes Anderson/Noah Baumbach

Fotografia: Tristan Oliver

Scenografie: Nelson Lowry

Musiche: Alexandre Desplat

Genere: Animazione

Con: George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray

Durata: 87’

Nell'era del 3D imperante e delle nuove tecnologie l'estroso enfant prodige del cinema underground americano Wes Anderson (I Tenenbaum/Un treno per Darjeling) torna agli albori della settima arte realizzando un film d'animazione con la tecnica dello stop-motion, il cosidetto passo-uno, fotografando i pupazzi immagine per immagine.Tuttavia, questa tecnica particolare non sembra deviare dal percorso cinematografico del regista dandy americano, mantenendo inalterata la personale cifra poetica e stilistica:colori sgargianti che da sempre caratterizzano la sua filmografia, raffinatezza delle componenti artigianali fino alla caratterizzazione dei personaggi sempre eccentrici e stralunati.

Tratto da un celebre libro per l'infanzia dello scrittore gallese Roal Dahl Furbo,il signor Volpe - autore anche de La fabbrica di cioccolato portato sul grande schermo da Tim Burton – Fantastic Mister Fox è anzitutto una delizia per gli occhi, un'esplosione elegante di colori e musiche che s'innestano su situazioni divertenti e battute brillanti. Emergono, come dicevamo, i temi cari al regista texano, al centro dei suoi film vi è sempre la famiglia in cui l'amore coesiste con il disagio e l'intelligenza spesso è sinonimo di solitudine, e tratteggia autobiograficamente il suo stile dandy attorno al personaggio di Mister Fox, una raffinata volpe che non sa resistere alla sua natura di ladro di polli.

La “famiglia” di Anderson è anche qui presente, con i vari Schwartzman e fratelli Wilson che accompagnano tutte le sue pellicole e qui prestano la voce ai vari personaggi di contorno, mentre la voce dei signori Fox è affidata alle star George Clooney e Meryl Streep impreziosendo ulteriormente la pellicola con la loro verve.In bilico tra classe e leziosaggine il cinema di Anderson ammalia e seduce con il suo mood post-moderno dall'evidente e sapiente gusto retrò, immerso in situazioni tragicomiche illuminate dai colori iper accesi e costellato da disegni infantili, e ci regala un piccolo gioiellino, confermandosi come uno degli astri nascenti del cinema d'autore a stelle e strisce con propensioni manieristiche che strizzano l'occhio al pop.

VOTO 7,5

L'uomo nell'ombra

2010-05-04T14:17:00.001-07:00

Regia di Roman Polanski

Produzione: USA/Germania/Francia 2010

Sceneggiatura: Robert Harris/Roman Polanski

Fotografia: Pawel Edelman

Scenografie: Albrecht Konrad

Musiche: Alexandre Desplat

Genere: Thriller

Con: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Catrall

Durata: 133’

L'ex primo ministro inglese Adam Lang (Pierce Brosnan) si trasferisce su un'isola del New England insieme alla moglie (Olivia Williams), l'amante-segretaria (Kim Catrall) e le sue guardie del corpo per redigere la propria autobiografia. Verrà ingaggiato un giovane ghostwriter (Ewan McGregor) per aiutarlo nella stesura delle sue memorie, in sostituzione del precedente scrittore morto in circostanze misteriose. Poco dopo l'ex premier verrà accusato di crimini di guerra durante il suo mandato nei confronti di alcuni sospetti terroristi, e lo scrittore scoprirà durante il suo lavoro scottanti segreti che riguardano proprio il passato di Adam Lang e la sua famiglia.

Polanski traspone sul grande schermo uno dei successi letterari della scorsa stagione “The Ghostwriter” di Robert Harris che qui cura anche la sceneggiatura, dopo che naufragò il progetto di un kolossal tratto dal romanzo precedente di Harris “Pompei”. Arrestato dopo la fine delle riprese a Zurigo, la post-produzione è stata continuata dallo stesso regista nella sua tenuta a Gstaad, dove è attualmente detenuto agli arresti domiciliari per le note vicende giudiziarie.

Presentata alla 60esima Mostra del Cinema di Berlino, dove il regista ha vinto l'Orso d'argento, questa pellicola rappresenta un ritorno al passato per Polanski, dopo il flop del precedente lungometraggio tratto dal capolavoro letterario “Oliver Twist” risalente a cinque anni fa.

Le atmosfere sono chiaramente hitchcockiane, ambientazioni e climax classici che rievocano proprio le vecchie pellicole del maestro britannico, innestate su una sceneggiatura quadrata e solida che si srotola lentamente con machiavellica precisione.

Il regista ebreo è abile a maneggiare gli elementi oscuri e a tessere una tela d'ambiguità che avvolge ogni cosa facendoci dubitare di tutto e di tutti, rileggendo vicende reali attraverso le tinte del giallo che ribadisce al suo interno il potere intrinseco della scrittura.

Un ritorno alle origini dicevamo, che rimane sui binari comodi del film di genere dall'impalcatura mainstream, ma non rinuncia a distillare le gocce immacolate della poetica del maestro polacco che s'insinua nelle crepe della pellicola con un eleganza ed un astrattismo di cornice che in questi tempi di vacche magre rappresenta sempre un porto sicuro a cui attraccare.

VOTO 7

Shutter Island

2010-04-23T11:05:00.000-07:00

Regia di Martin Scorsese

Produzione: USA 2010 Medusa

Sceneggiatura: Laeta Kalogridis

Fotografia: Robert Richardson

Scenografie: Dante Ferretti

Musiche: Robbie Robertson

Genere: Drammatico

Con: Leonardo Di Caprio, Ben Kingsley, Mark Ruffalo

Durata: 138’

1954. Gli agenti federali Edward Daniels (Leonardo Di Caprio), nel film chiamato anche semplicemente Teddy, ed il suo collega, Chuck Aule (Mark Ruffalo), vengono mandati all'Ashecliff Hospital, ospedale che si trova su Shutter Island ed è specializzato nella cura di criminali insani di mente. I due agenti devono investigare sulla scomparsa di Rachel Solando (Emily Mortimer), una paziente svanita nel nulla da una stanza blindata. Il dottor John Cawley (Ben Kingsley), primario dell'ospedale psichiatrico, spiega che Rachel è stata ricoverata dopo aver ucciso affogando i suoi tre figli, ma, ciononostante, lei crede ancora di trovarsi a casa e che i suoi figli siano ancora vivi.

Scorsese torna con un thriller psicologico tratto da un romanzo di Dennis Lehane, autore da cui il cinema ha attinto a piene mani (Mystic River e Gone Baby Gone gli altri due romanzi trasposti sul grande schermo), giocando con la materia collaudata di un topos narrativo affidabile del noir dai tratti onirici. La sceneggiatura, seppur oscura e non permeabile in certi passaggi, si dipana progressivamente in un lento incedere che tiene incollati alla poltroncina, grazie alla cura maniacale dei dettagli scenografici del nostro Dante Ferretti insaporiti dalla fotografia cupa e sporca di Robert Richardson che rende l'atmosfera tesa e nebulosa a dovere contribuendo ad esaltare il disturbante senso claustrofobico dell'isola carceraria.

Isola che non è soltanto un luogo fisico ma è anche un labirinto mentale da cui a volte sembra difficile districarsi, così come impossibile sembra fuggire da quel luogo ameno una volta abbattutasi la tempesta. Emergono ancora una volta i temi cari al regista di origini italo-americane come il profondo senso di colpa, il confine labile tra sanità e follia, ed il tentativo di redenzione cercando di lottare contro sé stessi evidenziati ancora una volta in maniera impeccabile dal nuovo attore feticcio scorsesiano Leonardo Di Caprio, qui alla sua quarta collaborazione consecutiva con il regista di Boston, in barba ai detrattori dell'Academy da cui è ignorato ogni anno per le candidature agli Oscar.

La solidità tecnica e la qualità stilistica soddisfa anche i palati cinematografici più esigenti, in cui ritroveranno numerosi omaggi del regista ai vecchi noir americani, passando dalle parti di Hitchcock fino ad arrivare all'espressionismo tedesco.

Alcuni passaggi stridono con le tonalità cupe del film, ma si tratta di piccole sfumature che non incidono narrativamente, il cui plot è tutto fatto d'incastri e rompicapi mentali che costringerà lo spettatore ammaliato e confuso ad una seconda visione certamente necessaria ma non indispensabile al gradimento finale dell'opera di Scorsese.

VOTO 7

Alice in Wonderland

2010-03-31T08:12:00.000-07:00

Regia di Tim Burton
Produzione: USA 2010 Walt Disney
Sceneggiatura: Linda Woolverton
Fotografia: Dariusz Wolski
Montaggio: Chris Lebenzon
Musiche: Danny Elfman
Genere: Animazione
Con: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Elena Bonham Carter
Durata: 108’

Che vi sia sempre stata una certa corrispondenza tra l'immaginario fantastico e non-sense dello scrittore, fotografo e reverendo Lewis Carrol e il caro Tim Burton - il cineasta più visionario e dark che Hollywood ha sfornato nelle ultime decadi - lo avevamo sempre sospettato. Era inevitabile quindi che ad un certo punto le due strade si sarebbero incrociate, quindi dopo anni di rumors e tentativi rimandati l'evento tanto atteso prende corpo grazie all'interessamento della Disney, che mette sotto contratto il regista di Burbank per un paio di film, tra cui l'adattamento sul grande schermo proprio delle vicende letterarie narrate nei due romanzi di Carroll: "Alice nel paese delle meraviglie" ed "Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò".

Burton opta per una sorta di sequel e non per un remake come i più potrebbero pensare, ritroviamo infatti una Alice diciannovenne alle prese con una festa di fidanzamento ufficiale, preludio ad un matrimonio combinato, dalla quale fugge per inseguire uno strano coniglio col panciotto. Finirà per cadere in un burrone e ritrovarsi in quel Wonderland che aveva già visitato anni addietro.

Le aspettative erano tante, e le premesse sembravano preludere ad un ennesimo capolavoro burtoniano, decisamente offuscato nelle ultime pellicole, ma l'universo onirico e dark del talento burtoniano è imbrigliato tra le ambizioni di una sceneggiatura inconcludente e posticcia e scenografie sontuose e ridondanti, conducendoci in un paese delle meraviglie che di meraviglie ne produce ben poche. Prevedibili e privi di fascino risultano i personaggi monocorde interpretati dalle regine Helena Bonham-Carter e Anne Hateway, e delude anche l'attore feticcio per eccellenza Johnny Depp, indeciso tra un'interpretazione sopra le righe o virata verso il malinconico. L'esordiente Wasikowska in ruolo alquanto improbo, non buca mai lo schermo, ma il suo personaggio così ben definito e ricco di sfumature nel libro qui è riproposto in modo impalpabile e superficiale. Deprecabili molte eccentriche trovate (la patetica deliranza rappresenta il punto più basso toccato dall'accoppiata Burton/Depp) come quella di ergere il cappello del cappellaio matto ad oggetto feticista imprescindibile e vero motore dell'azione filmica, e l'utilizzo pleonastico del 3D utilizzato semplicemente come artificio commerciale, che nulla aggiunge alla profondità visiva, - riadattato in terza dimensione solo in post produzione - dando così ragione alle critiche mosse dal collega James Cameron che lo esortava a sperimentare le nuove tecnologie a disposizione anche come linguaggio narrativo.
Personalmente ritengo il genio di Tim Burton fermo al bellissimo e poetico “Big Fish” del 2003, l'ormai consuetudine di assoldare nei propri progetti sia l'amata moglie che l'amico Depp pare essere più deleteria che rigenerante. Scivola proprio nel suo lungometraggio più atteso perdipiù giocando su un terreno a lui congeniale e non lascia nessuna impronta del suo talento e del suo immaginario, limitandosi a svolgere il compitino disneyano senza infamia e con pochissima lode.

VOTO 5

The Hurt Locker

2010-03-14T09:08:00.000-07:00

Regia: Kathryne Bigelow

Produzione:USA 2008 Videa CDE

Sceneggiatura: Mark Boal

Montaggio:Bob Murawsky

Fotografia: Barry Ackroyd

Musiche: Marco Beltrami

Genere: Guerra

Cast: Jeremy Renner, Kate Mines, Sam Redford, Guy Pearce

Durata: 131'

"La furia della battaglia provoca dipendenza totale, perché la guerra è una droga" - Chris Edgar

Siamo in Iraq, terra desolata e dilaniata dai conflitti. L'unità speciale denominata Bravo Company, un gruppo di artificieri e sminatori dell'esercito statunitense, perde il suo il capo-artificiere sergente Thompson (Guy Pearce) durante una delle tante operazioni di bonifica del territorio cosparso ovunque di ordigni o presidiato da kamikaze pronti ad esplodere. A prendere il suo posto arriva il sergente James (Jeremy Renner) un decano del mestiere che vanta più di 800 bombe disinnescate, dotato di un carattere schivo e impulsivo, totalmente sprezzante del pericolo di morte.

Dopo essere stato presentato in anteprima alla 65esima Mostra del Cinema di Venezia nel settembre 2008 e fresco trionfatore della notte degli Oscar, il bel film di Kathryne Bigelow - dopo aver patito mesi per ottenere uno stralcio di distribuzione nelle sale- si porta a casa ben 6 statuette su nove nomination. Tra le quali l'accoppiata più prestigiosa ed ambita di miglior film e miglior regia, entrando così di diritto nella storia della competizione come la prima donna a conseguire il premio di miglior regista.

Il titolo della pellicola, nello slang militare americano è usato per definire un luogo particolarmente rischioso in cui la sorte dei soldati è assolutamente imprevedibile, ma identifica anche coloro che sono feriti da un esplosione.

Favorito alla vigilia, il premio è stato ampiamente meritato: anzitutto è una pellicola coraggiosa, indipendente nel senso più nobile del termine, ossia un progetto nato low-cost, costato 11 milioni di dollari, senza nessuna star e che non cede a compromessi filmici o narrativi volti ad addolcire la pillola per il pubblico.

Nasce da una sceneggiatura solida ed originale scritta dal reporter di guerra Mark Boal (già autore dello script di un altro sottovalutato war movie: Nella valle di Elah, nonché attuale compagno della Bigelow) che ha vissuto personalmente con i marines in Iraq per un mese, partecipando alle operazioni del corpo speciale sul campo, consegnando una descrizione intensa e reale delle atmosfere tese e al limite della fragilità psichica a cui sono sottoposti giornalmente i militari dell'esercito a stelle e strisce.

Lo scarto però rispetto le altre pellicole di war-drama riguarda lo stile, asciutto ed impeccabile nella plasticità delle inquadrature, favorito anche dall'attività di pittrice dell'ex signora Cameron ed ispirate dalle sequenze de Il mucchio selvaggio di Sam Peckinpah, e la complessità dei personaggi egregiamente descritti con penetranti primi piani dell'architettura dei nobili volti dei soldati consci dell'immanenza della morte; ogni ritratto è una sorta di compendio psicologico migliori di una qualunque seduta psicanalitica.

Talento puro quello della Bigelow che in appena 44 giorni di riprese, solo 6 telecamere ed un budget ridotto al minimo, narra con elegante dovizia di particolari, alcuni dei piccoli tasselli che compongono il grande mosaico della realtà brutale ed insieme terribilmente affascinante della guerra, con scene cariche di tensione grazie ad un magistrale utilizzo di riprese in soggettiva, macchina a mano e montaggio serrato, impreziosito dalll'impiego del ralenty per descrivere l'attimo prima dell'esplosione che da sola vale il prezzo del biglietto. Ottime le interpretazioni del cast, sulle quale si erge imponente la caratterizzazione del sergente James interpretato dal quasi sconosciuto Jeremy Rennes che gli è valsa la giusta candidatura all'Oscar.

Non un film di guerra, ma sulla guerra; che ha il pregio raro di non prender posizione a tal riguardo, se non in sottilissimi sottintesi e leggere sfumature. Che racconta il fascino inquietante della seduzione mortale che la guerra porta con sé dalla quale alcuni soldati non riescono a sottrarsi.

VOTO 8

Speciale Oscar 2010

2010-03-05T07:54:00.000-08:00

Ci siamo. La notte del 7 marzo verranno assegnati dalla Academy di Los Angeles i prestigiosi Academy Awards, meglio conosciuti come Oscar del cinema, nella rassegna più glamour e celebre del mondo, giunta quest'anno alla sua 82esima edizione, presentata dalla coppia di attori Steve Martin e Alec Baldwin che annovera alcune novità rispetto al passato.

Innanzitutto la categoria del premio come Miglior Film passa dai 5 ai 10 titoli concorrenti, comprendente anche i film d'animazione, prima esclusi e relegati solamente nella apposita sezione del premio. Sezione che anch'essa presenta delle piccole variazioni, permettendo di concorrere per il prestigioso riconoscimento a ben 5 pellicole e non più 3 come fino allo scorso anno.

Detto questo, passiamo in rassegna le categorie più importanti cercando di considerare i favoriti della vigilia, le possibili sorprese e ad abbozzare alcuni pronostici.

Miglior Film

Come già evidenziato, la lotta per la statuetta più ambita è stata allargata a ben 10 pellicole che permette di prendere in considerazione una gamma più vasta di generi e produzioni.

Si passa infatti dall'iper-produzione del mastodontico e rivoluzionario AVATAR, alla fantascienza a basso costo con messaggio sociale di DISTRICT 9, dal popcorn movie d'autore di BASTARDI SENZA GLORIA al duro cinema di guerra di THE HURT LOCKER, dai brillanti ed eleganti dramedy TRA LE NUVOLE e AN EDUCATION, al dramma sociale di PRECIOUS e dramma sportivo di THE BLIND SIDE (ancora inediti in Italia), finendo con il film d'animazione della Pixar UP e all'eccentrico e personale A SERIOUS MAN.

Per quanto riguarda i pronostici in questa sezione bisogna anzitutto ricordare che è dal 2003 anno in cui prevalse il secondo capitolo della Trilogia dell'anello Il RITORNO DEL RE, che il cosiddetto "filmone" non vince la statuetta ed inoltre che storicamente chi alza il premio in questa categoria lo vince anche per la miglior regia (solo in 21 casi su 81 edizioni non si verificato).

Quasi certamente sarà una lotta a due tra gli ex coniugi Cameron-Bigelow con Avatar e The hurt locker mentre improbabili exploit possono arrivare dal tarantiniano Bastardi senza gloria o Tra le nuvole. Molto lontani gli altri nominati.

Pronostico: THE HURT LOCKER voto de-romantico: UP

Miglior regia

Anche in questa sezione la lotta dovrebbe rimanere tutta in famiglia, tra il visionario JAMES CAMERON autore del film più costoso e che ha incassato di più della storia del cinema e la dura ex moglie KATHRYNE BIGELOW, autrice di uno dei più bei war-movie di sempre.

Difficile la possa spuntare a sorpresa QUENTIN TARANTINO con il suo fanta-storico film sui basterds, ancor più improbabili le affermazioni del giovane JASON REITMAN con la sua commedia drammatica sulla crisi finanziaria e LEE DANIELS con il suo durissimo affresco sociale.

Pronostico: KATHRYNE BIGELOW voto de-romantico: JAMES CAMERON

Miglior Attore

La miglior interpretazione maschile dovrebbero contendersela i decani del grande schermo JEFF BRIDGES nei panni del cantante country alcolizzato narrato in Crazy Heart e MORGAN FREEMAN in cui impersona il presidente del Sudafrica nonché premio Nobel, Nelson Mandela nel film Invictus di Clint Eastwood.

Qualche chance potrebbero averla anche il cinico tagliatore di teste GEORGE CLOONEY (Tra le nuvole) e l'inconsolabile COLIN FIRTH scrittore innamorato in A single man di Tom Ford.

Lontanissimo la sorpresa JEREMY RENNER soldato artificiere in The Hurt Locker.

Pronostico: JEFF BRIDGES voto de-romantico: GEORGE CLOONEY

Miglior Attrice

Anche qui la corsa alla statuetta più ambita è una faccenda tra la veterana MERYL STREEP (Julie and Julia) , che vanta ben 16 candidature in carriera e 2 Oscar che risalgono però agli anni 80, e la novellina SANDRA BULLOCK che torna nell'Olimpo del cinema grazie al ruolo di donna tenace in The Blind Side. HELEN MIRRER già vincitrice nel 2007 non dovrebbe impensierire le due favorite, mentre per le giovani scoperte CAREY MULLIGAN (An Education) e GABOUREY SIDIBE (Precious) la sola nomination vale come un premio.

Pronostico: SANDRA BULLOCK voto de-romantico: MERYL STREEP

Miglior Attore non protagonista

Qui appare scontata la vittoria dello straordinario CHRISTOPH WALTZ perfetto poliglotta nazista nel film di Tarantino. Qualche filo da torcere potrebbe darglielo l'esperto CHRISTOPHER PLUMMER che interpreta Tolstoj in The Last Nation o il redivivo WOODY HARRELSON lui famoso pacifista nel ruolo insolito di un militare in The Messenger.

Riempiono la sezione i pur ottimi MATT DAMON capitano della nazionale di rugby nel cliontoniano Invictus e STANLEY TUCCI, feroce assassino in Amabili resti di Peter Jackson.

Pronostico: CHRIS WALTZ voto de-romantico: CHRIS WALTZ

Miglior Attrice non protagonista

Di certo è questa la sezione in cui la lotta sarà più acerrima dove troviamo la vincitrice dello scorso anno PENELOP CRUZ grazie al suo ruolo nel musical di Rob Marshall Nine, le due attrici del delicato ritratto post crisi Tra le nuvole ossia VERA FARMIGA e la giovane ANNA KENDRICK, MAGGIE GYLLENHAAL (sorella del più celebre Jake) con il biopic su un cantante country inventato Creazy Heart e la sorpresa Mo'Nique nel drammatico film indipendente Precious.

Pronostico: MAGGIE GYNNEGHAAL voto de-romantico: VERA FARMIGA

Miglior film straniero

Escluso, nonostante lo sforzo mediatico e produttivo il nostro Bàaria di Tornatore, la lotta per miglior lungometraggio straniero vedrà favorito il già vincitore a Cannes IL NASTRO BIANCO del maestro austriaco Michael Haneke contro il francese IL PROFETA di Jacques Audiard.

Sembrano fuori dai giochi invece il peruviano IL CANTO DI PALOMA della regista Claudia Llosa vincitrice lo scorso anno dell'Oroso d'oro a Berlino, l'argentino IL SEGRETO DEI SUOI OCCHI di Juan Josè Campanella e l'israeliano AJAMI di Scandar Còpti.

Pronostico: IL NASTRO BIANCO voto-deromantico: IL PROFETA

Miglior film d'animazione

Ogni anno questa categoria comprende pezzi da novanta che non sfigurerebbero neanche nella sezione più prestigiosa ed ambire a titolo di miglior film "in assoluto", come il poetico UP che per la seconda volta nella storia dell'Academy concorre anche nella sopracitata categoria (la prima volta è toccato a La Bella e la Bestia della Disney) ed è con queste premesse che appare scontata la vittoria almeno in questa sezione.

Nonostante i suoi rivali non siano da meno come lo splendido CORALINE e LA PORTA MAGICA di Henry Selick o l'originale FANTASTIC MISTER FOX del genio Wes Anderson. La Disney piazza una doppietta con LA PRINCIPESSA e IL RANOCCHIO di Ron Clements e John Musker, registi dei fortunati Aladdin e La Sirenetta, nomination quasi doverosa per l'anima tradizionale in 2D del cartoon. Conclude la cinquina l'unica pellicola d'animazione non americana: l'irlandese THE SECRETS OF KELLS.

Pronostico: UP voto de-romantico: UP

Tra le nuvole -Up in the air-

2010-03-01T09:34:00.000-08:00

Regia : Jason Reitman

Produzione: USA 2009 Universal

Sceneggiatura: Jason Reitman/Sheldon Turner

Montaggio: Dana Glauberman

Fotografia: Eric Steelberg

Musiche: Rolfe Kent

Genere: Commedia

Interpreti: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick

Data di uscita: 05/01/2010

Durata: 109’

Ryan Bingham (George Clooney) è un tagliatore di teste seriale, colui che assunto dalle aziende in esubero di personale si prende la briga di licenziare personalmente, uno ad uno, i poveri lavoratori con disumano distacco e netta precisione. L'infame lavoro lo costringe a viaggiare continuamente da una parte all'altra del Paese, il che lo conduce a vivere una vita sospesa "tra le nuvole", passando da un aereoporto all'altro, sorta di "non luoghi", zone franche in cui il vivere quotidiano rimane relegato all'esterno. Ryan in un anno ha vissuto solo 43 giorni a casa sua ed il suo più grande desiderio è conquistare la fidelity card esclusiva che spetta a chi raggiunge i 10 milioni di miglia di volo.Il suo finto concetto di leggerezza, che esprime durante le sue conferenze, persuade a viaggiare leggeri, applicando lo stesso concetto alla vita reale. Niente legami familiari, sentimentali e coinvolgimenti emotivi, ridotti ad inutili zavorre che una volta disfatte rendono l'esistenza più semplice e libera. Scoprirà però gli errori nefasti delle sue teorie quando incontrerà una saggia e seducente collega Alex (Vera Farmiga) e dovrà fare da chioccia all'ambiziosa ed ingenua novellina Natalie (Anna Kendrick).

Jason Reitman è uno dei migliori registi della nuova generazione a stelle e strisce, figlio d'arte - suo padre è il celebre regista Ivan Reitman, quello di Gosthbuster per intenderci - dopo aver fatto sorridere e riflettere con le sue due precedenti pellicole: lo splendido e sottovalutato Thank you for smoking e Juno (vincitore del festival di Roma lo scorso anno e di un Oscar per la sceneggiatura) non abbandona il suo stile definito dramedy, ossia commedie drammatiche che coniugano ironia e amarezza, riuscendo a concepire un perfetto instant movie filosofico.

Nell'era della crisi globale, il giovane autore ci parla di aspetti profondi con tocco leggero ed ispirato, epurando cliché e banalità, di alcuni aspetti fondamentali come il lavoro: dalla sua ossessione alla disperazione per la perdita, di sentimenti e legami, apparenza e cinismo descritti in punta di piedi, senza moralismi e forzature ma con una grazia e sensibilità che il cinema hollywoodiano sembrava aver perso. Il cast è uno dei punti di forza della pellicola -non a a caso candidati dall' Academy ed in corsa per una statutetta - grazie allinterpretazione della bellissima e talentuosa Vera Farmiga e alla giovane promessa Anna Kendrick. Una citazione a parte merita il divo George Clooney, finalmente in un ruolo perfetto per le sue corde, privo delle solite espressione gigionesche e convincente come non mai.

L'alchimia perfetta tra ironia sottile e gusto malinconico, ben sottolineata dai dialoghi brillanti e inquadrature minimali e colonna sonora folk, rende la pellicola un piccolo trattato della nuova commedia americana aggiornata ai tempi della crisi. Candidata giustamente a 6 premi Oscar.

VOTO 7,5

An Education

2010-02-25T07:32:00.000-08:00

Regia di Lone Scherfig

Produzione: Gran Bretagna 2009 BBC Films

Sceneggiatura: Nick Hornby

Montaggio: Barney Pilling

Fotografia: John De Borman

Musiche: Paul Englishby

Genere: Drammatico

Interpreti: Peter Sargaarsd, Carey Mulligan, Alfred Molina, Rosamund Pike

Data di uscita: 05/02/2010

Durata: 95’

Siamo a Londra nei primi anni 60, nel sobborgo di Twickenham vive la sedicenne Jenny (Carey Mulligan) studentessa diligente e sognatrice con un futuro promettente ad Oxford ad attenderla. Durante una giornata di pioggia, incontra per caso l'affascinante David (Peter Sarsgaard), trentenne sofisticato e colto che s'invaghisce di lei, e le farà conoscere i turbinii accecanti dell'arte, del jazz e una vita bohemien cambiando radicalmente la sua vita e le sue prospettive iniziali.

Il celebre scrittore Nick Hornby esordisce nella sceneggiatura - basata sulle memorie della giornalista Lynn Barber - portando con ottimi risultati sul grande schermo i temi a lui cari nei suoi romanzi, come la difficoltà nel passaggio tra adolescenza e vita adulta, il rapporto genitori e figli, ed il peso delle responsibilità rileggendole in chiave romantica, non rinunciando all'ironia dolceamara tipica della sua penna.
La regia affidata alla danese Lone Scherfig (Italiano per principianti) , ex esponente dei dettami della scuola Dogma 95, pur senza particolari sbavature risulta troppo piatta ed inerme, timida e regolare, senza cambi di ritmo costituendo l'anello debole della pellicola, che a sua volta invece è sorretta da un cast davvero incisivo. Grazie alle ottime prove della giovane promessa Carey Mulligan (Orgoglio e pregiudizio), perfetta nei panni della colta ed ingenua Jenny ed in odore di Oscar, e del formidabile Peter Sarsgaard (Orphan) capace di infondere eleganza e tenerezza con una recitazione in punta di fioretto, tutta giocata su piccole sfumature e giochi di sguardo. Notevoli anche le interpretazioni dei comprimari Alfred Molina (Spiderman 2) che dà vita ad un padre burbero ma dal cuore di burro e la bellissima Rosamund Pike (Il caso Thomas Crawford) nei panni della modaiola svampita.

Vincitore del premio del pubblico allo scorso Sundace Festival, An Education è un raffinato racconto d'educazione sentimentale immerso nell'atmosfera che precede la rivoluzione beatlesiana della Swinging London, dei capelli a caschetto e dell'emancipazione sessuale, narrato con raffinata eleganza e piglio classico.

VOTO 6,5

Avatar

2010-02-12T12:57:00.001-08:00

Regia di James Cameron

Produzione: USA 2009 20th FOX

Sceneggiatura: James Cameron

Montaggio: John Refua/Stephen Rivkin

Fotografia: Mauro Fiore

Musiche: James Horner

Genere: Fantascienza

Interpreti: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez

Data di uscita: 03/12/2009

Durata: 97’

Era il 6 ottobre 1927 quando uscì nelle sale americane “Il cantante di jazz”, il film di Alan Croslond che sancì la vittoria del sonoro sul muto, mentre due anni dopo girò “On with show” il primo film a colori della storia del cinema.

James Cameron è il Crosland del nuovo millennio, un regista temerario e visionario che con il suo progetto più ambizioso - coltivato in segreto da 20 anni, ma realizzato in 11 – rappresenta un punto di svolta nella narrazione cinematografica ponendosi come spartiacque tra i vecchi film bidimensionali ed una nuova generazione di lungometraggi concepiti, girati e rappresentati in 3 dimensioni.Non più semplice espediente da intrattenimento - con oggetti che escono dallo schermo in stile anni 80 - la profondità, alias terza dimensione, diviene uno spazio in cui lo spettatore viene proiettato all’interno della narrazione respirando appieno l’atmosfera in cui sono ambientate le vicende.

Difficile condensare un opinione critica sul film senza tener presente il lungo lavoro sull’immagine perseguito con la sperimentazione tecnica e l’ausilio di nuovi mezzi, adattati o inventati per l’occasione. Ogni progetto di Cameron ha il sapore epico dell’impresa, il fascino antico della scoperta in cui la passione per il cinema si riappropria del suo ancestrale appellativo di “dream machine”.

Avatar è un mondo e Cameron ne è il suo Dio.

Impresa ‘divina’ è infatti concepire, sviluppare e far vivere le proprie creature su Pandora, in un ampio eco-sistema, dotato di flora e fauna appositamente create con l’ausilio di esperti in materia, così come la lingua del popolo dei Na’vi, dotata di un vera e propria struttura linguistica con annesso vocabolario; o infine la religione, di matrice naturalistica e spirituale in profonda e vera connessione con l’energia del pianeta stesso e le creature che lo popolano.

Non fraintendiamoci, Avatar è innanzitutto e soprattutto entertainment, ricco di azione e scene di combattimento, ma si poggia su di un’architettura imponente imbastita per stupire e rivoluzionare, i cui elementi - anche quelli apparentemente secondari- son stati concepiti e studiati fino all’ultimo dettaglio. La trama, di semplice e classica struttura narrativa certo - prestando bene il fianco scoperto ai suoi detrattori- diviene però strumento al servizio dell’immaginifico, un veicolo che permette d’introdurci nella complessità affascinante e primitiva del mondo di Pandora.

Cameron non poteva contare sull’impalcatura letteraria che sorreggeva la trilogia de “Il Signore degli anelli” di Peter Jackson e neanche la capacità di profondità e complessità narrativa che George Lucas consegnò al cinema di genere fantascientifico anni or sono, ma tutti e tre hanno la stessa imponente visionarietà che ha permesso di lasciare impronte indelebili nella storia cinematografica aprendo nuove fessure nell’infinita natura delle possibilità artistiche con l’ausilio della tecnologia che si prona al servizio della storia.

Il tallone d’Achille della pellicola a mio parere non è nella pur tanto vituperata prevedibilità della vicenda, quanto sulla mancanza di pathos suscitata da una colonna sonora scialba e dimenticabile che non si erge perentoria ad accompagnare i momenti salienti, per non parlare della “end song” conclusiva di Leona Lewis che rievoca troppo similmente i gorgheggi canori della Celine Dion di Titanic.

VOTO 7,5

Top Ten Film 2009

2010-01-25T05:38:00.000-08:00

10- UNA NOTTE DA LEONI (The Hangover) di Todd Phillips #trailer#

Mai avrei pensato di inserire una commedia demenziale nella mia top ten finale, eppure il film del regista cult del genere Todd Phillips è uno spasso.
Ben congegnato, divertente ed eccessivo senza risultare mai banale e noioso, dote rara per una pellicola del genere che ha sbancato gli States, divenendo la commedia di maggior incasso di sempre. Per serate etiliche e grasse risate in compagnia.

9- THE WRESTLER di Darren Aronofsky #trailer#

Torna il regista di "Requiem for a dream" con uno stile dimesso e dal piglio documentaristico per narrare la vicenda di Randy "The Ram" Robinsons, un campione di wrestling degli anni 80 ormai in declino, malato e solo in cerca di redenzione, che ha il volto e la fisicità imponente di Mickey Rourke, nell'interpretazione della vita che lo ha riportato ai fasti di un tempo.

8- MOON di Duncan Jones #trailer#

L'esordio sul grande schermo del figlio prediletto di David Bowie è un piccolo gioiellino sci-fi, memore della lezione dei grandi film di fantascienza del passato, in cui la scenografia e la psiche erano posti in primo piano e gli effetti speciali relegati a piccoli espedienti artigianali più convincenti delle pomposità odierne. Con un Sam Rockwell imperioso a reggere da solo tutta la pellicola. Un film intimo e struggente, affascinante e prezioso. Una delle sorprese di questo 2009.

7- LASCIAMI ENTRARE (Låt den rätte komma in) di Tomas Alfredson #trailer#

Dalla fredda Svezia giunge questa delicata ed effimera storia d'amore tra due ragazzini che ridefinisce la figura del vampiro contemporaneo, in barba ai vari Twilight ed affini.
Una favola nera moderna sul tema della diversità, cupa e romantica, che terrorizza facendo intuire piuttosto che vedere. Hollywood ne sta preparando già il remake, ma ignorare questo piccolo capolavoro è un delitto.

6- VALZER CON BASHIR (Waltz with Bashir) di Ari Folman #trailer#

Ci sono delle pellicole che colpiscono cuore e mente, questo è un progetto israeliano realizzato con la tecnica del documentario d'animazione in modo originale e delicato.
Un viaggio interiore e personale nel quale confluire le proprie paure, riversando i ricordi terribili in visioni oniriche suggestive e poetiche per narrare uno degli eccidi di massa meno conosciuti e più vergognosi degli ultimi decenni.
Ari Folman riesce a tessere questa trama poetica sullo schermo, con visionaria lucidità e struggente intensità, regalandoci un’opera straordinaria ed indimenticabile. Imprescindibile.

5- REVOLUTIONARY ROAD di Sam Mendes #trailer#

L'istituzione familiare borghese è ancora una volta analizzata con il bisturi tagliente dello sguardo di Mendes, già premiato con l'oscar per American Beauty. Questa volta torna all'origine del mal de vivre moderno, trasponendo il bellissimo romanzo di Yates ambientato negli anni 50.
Complesso e raffinato, nichilista e sfrontato Mendes smonta ancora una volta con stile cinematografico impeccabile l'american life conservatrice americana avvalendosi di una recitazione sublime, grazie alle interpretazioni da brividi di Kate Winslet e Leo Di Caprio (dieci anni dopo Titanic) e la sorpresa Michael Shannon.

4- BASTARDI SENZA GLORIA (Inglourious basterds) di Quentin Tarantino #trailer#

L'atteso ritorno del genio del Tennessee con una pellicola che è un puro amore dichiarato al mondo del cinema. Una personale rilettura della Storia in salsa pulp e koshen, intrisa di dialoghi serrati ed ironici, riferimenti cinematografici a iosa e tanto kitsch tarantiniano amato dai suoi fan.
Interpretazione da Oscar per Chistopher Waltz, vero mattatore della pellicola che oscura il pur bravo Brad Pitt, di cui si ricorderà per il suo italiano sghembo e divertente ( da recuperare assolutamente nella versione in lingua originale).

3- TWO LOVERS di James Grey #trailer#

I drammi sentimentali dell'uomo moderno narrati con delicatezza e sobrietà, un punto di vista intimo, notturno e reale scandagliando il mal de vivre di un uomo ferito che torna ad innamorarsi e lentamente alla vita, prima di lasciarsene nuovamente sopraffare. Per una volta l’amore non è oggetto di commedia sentimentale a lieto fine, ma ha il sapore amaro della resa, della delusione e delle lacrime senza patetismi retorici o urlati delle tragedie.Un dramma amoroso contemporaneo, minimalista e sofferto e per questo un film raro ed imponente nella sua semplicità.

2- BASTA CHE FUNZIONI (Whatever works) di Woody Allen #trailer#

Il Woody Allen che amavamo, ispirato, cinico e divertente immerso nella sua New York. Dirige ed affida sullo schermo il suo alter-ego al convincente Larry David, il buon Allen sforna uno dei suoi capolavori moderni, in un film loquace dalle battute indimenticabili e monologhi straordinari sul senso della vita e le relazioni interpersonali con il consueto nichilismo ironico e tagliente.
Da antologia alcune sue riflessioni sulla società contemporanea. Adorabilmente antipatico.

1- GRAN TORINO di Clint Eastwood #trailer#

Ennesimo capolavoro di Eastwood premiato anche dal pubblico (maggior incasso per un suo film), qui alla sua ultima prova attoriale. Ambientato in una Detroit odierna, simbolo economico di una nazione alle prese con la crisi finanziaria, ma anche morale e sociale, rappresentata proprio dalla Gran Torino, metafora della nazione stessa che si trova a fare i conti con la disoccupazione e l’intolleranza razziale.Il vecchio Clint dipinge un ritratto coraggioso della società americana attuale, osservata con lo sguardo duro ed il ghigno sconsolato del volto di un Eastwood in stato di grazia. Un film sincero e struggente specchio della società attuale, che diverte e commuove.

0- UP di Peter Docter #trailer#

Il decimo film d'animazione della Pixar è l'apice di un percorso narrativo e visuale che ha rivoluzionato il mondo cinematografico del decennio ed ora lo accompagna nella nuova era della terza dimensione.
Il primo quarto d’ora è puro capolavoro di poesia cinefila, girato con tocco delicato e malinconico che riesce nella difficile impresa di costruire un arco narrativo intenso in pochi minuti ed in totale assenza di dialoghi. Capace di imprimere sin dalle prime battute una forte carica emotiva alla storia narrata ed alla psicologia e le conseguenti motivazioni dei personaggi che costituisce la base che sorreggerà la pellicola.UP è capolavoro perché sa fondere con leggerezza, ironia e dolcezza, come si conviene ad ogni storia indimenticabile, per l’originalità dello script, la ricchezza delle sfumature e dei sottotesti psicologici, l’invenzione visiva e la spettacolarità che sottendono alla Meraviglia. Questa volta si concorre per l'Oscar come miglior film, e non solo d'animazione.